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Apuntes sobre el viejo rollo de siempre !

Empecé a tomar fotografías desde muy chico con una modestísima  cámara telemétrica de 35 mm y el número de tomas que disponía por rollo era de 12, 24 o 36 exposiciones.  Si quería hacer fotos personales y tenerlas reveladas rápido optaba por el de 12 exposiciones, si se trataba de un viaje “largo” de vacaciones la opción era el de 36. En aquella época se utilizaban mucho las diapositivas, ya que contando con un buen proyector daban una mejor calidad de color. Yo no tenía un buen proyector y además noté a tiempo que los colores de las mismas se iban lavando muy rápidamente perdiendo saturación y detalles.  Personalmente prefería algún rollo de 400 ASA, en blanco y negro o color, dependiendo si quería hacer paisajes o fotografía de retratos y calle.  Aclaro aquí que en esa época la nomenclatura era ASA por las siglas  American Standard Association -Asociación Americana de Estándares y hoy es ISO por  International, pero la sensibilidad medida en ASA o ISO es exactamente la misma.

La película “rápida” como se le decía al ISO 400 o superior,  daba mayor libertad pero a pleno sol podía llegar a ser un problema. También había películas para luz de día y películas para interiores o Tungsteno. Si cargabas la cámara con la película calibrada para tungsteno y realizabas fotos a la luz del día, las tomas salían con una dominante azul horrible, si hacías el proceso inverso: película para luz de día usada en interiores con luz artificial la tonalidad era también horrible pero rojiza.

Obviamente no existía en las cámaras el balance de blancos y podíamos perder una excelente oportunidad fotográfica simplemente por no tener cargada la película adecuada.  Por eso, y algunas razones más, la mayoría de los fotógrafos iniciados preferíamos cargar nuestras cámaras con película en blanco y negro de 400 ASA que incluso podíamos forzar durante el revelado y lograr un grano exquisito a 1600-3200 ASA – ISO.

Creo que a estas alturas algunos ya irán notando las desventajas de la película en rollo contra los actuales sistemas binarios…

Lo único bueno era que la “limitación” en la cantidad de tomas por rollo obligaba a aprender a componer bien una fotografía porque además no podíamos verla en el momento para corregir nada, y luego ya era muy tarde.  La curva de aprendizaje era bastante mayor y mucho mas “cara” pero sin duda se aprendía a tener en cuenta todos los detalles para no perder los escasos fotogramas que en aquel momento no parecían tan escasos.

No contábamos con una memoria capaz de guardar miles de imágenes en alta calidad por lo que disparar a lo loco no era muy recomendable. Debíamos aprender bien pronto de nuestros errores, errores que veíamos recién al tener la foto revelada y ampliada en el papel fotográfico y no en la pantalla como hoy.

En definitiva, se aprendía a optimizar recursos y no existía ese pensamiento tan poco profesional que se repiten muchos “profesionales” que hacen mil disparos cuando deben entregarle al cliente menos de cien: “-total la arreglo con Photoshop …”, herramienta que obviamente tampoco existía en esa época.

La fotografía analógica nos permitió aprender a realizar fotografías a todos los que pasamos por ella , y si realmente aprendimos para que volver teniendo la calidad y comodidad que nos brindan los modernos equipos fotográficos?.

Me niego a hablar de fotografía digital o analógica porque se trata simplemente de FOTOGRAFÍA, solo cambió  la herramienta como cambia en todos los ámbitos, profesionales y laborales… Alguien se imagina hoy un médico recetando sanguijelas para la presión alta?…  Ridículo no?, tanto como decir que la verdadera fotografía se hace con rollos.  Sin embargo muchos lo siguen diciendo, incluso desde “importantes” institutos de enseñanza.

No tengo ningún problema con la moda retro ni con lo vintage,  son modas y como tal vuelven siempre, la prueba está en la cantidad de discos de pasta que se editan y los pocos nostálgicos que los compran… lo malo es que los que no los escucharon en su momento creen que en realidad suenan mejor , porque esos les venden, y se gastan un dineral en discos y equipos para reproducirlos.  Lo único bueno de los discos de pasta era el arte de tapa pero no la calidad de sonido que tendía a degradarse muy rápidamente .

Los “puristas” suelen ser personas recalcitrantes que niegan todo lo nuevo y andan por allí diciendo que todo lo pasado fue mejor y reniegan de lo actual simplemente por desconocimiento. Torquemada es un ejemplo de “purista” y miren las macanas que se mandó quemando gente que tenía ideas “nuevas”.

Hoy verán muchas fotos publicadas en sitios de internet con el texto “Analógica directa” o similar, como si eso tuviera alguna importancia o le concediera mayor valor a la fotografía en cuestión cuando la realidad es que se trata de una muestra bizarra de puro snobismo.

No reniego de mi pasado analógico, lo viví plenamente y eso me da entidad para escribir y hablar del tema. Pasé cientos de horas en un cuarto oscuro, y se perfectamente que el Rodinal no es un antidepresivo. Sé lo que es trabajar con distintas gradaciones de papeles fotográficos para lograr el contraste necesario y hasta utilicé película gráfica para ello. Conozco perfectamente el tratamiento por zonas de Ansel Adams y el apantallado bajo la luz de la ampliadora para destacar un cielo por ejemplo… Y tanto lo sé que hoy elijo sin pudor  trabajar con una computadora en lugar de una ampliadora y capturar mis imágenes en un sensor digital en lugar de un soporte de acetato recubierto de haluros de plata. Sigo avanzando fotográficamente y aprendiendo.

Tengo muy bien guardado en el cajón de los recuerdos mi Nikon F5, una Asahi Pentax y una Voigtlander,  también un fotómetro Lunasix 3 con el que aprendí todo sobre la luz, las sensibilidades y los diafragmas.  A veces abro el cajón y hago algunos disparos al vacío con el solo fin de escuchar un obturador mecánico pero no se me ocurriría cargar ninguna de esas cámaras con un rollo porque estoy muy satisfecho con mi cámara actual, que sin ser de una gama altísima, es muy superior a la ofrecida por mis queridísimas  compañeras de aprendizaje.

Hoy puedo trabajar en interiores con muy poca luz y luego salir a fotografiar un atardecer sin mas que ajustar el ISO y el balance de blancos. Ya no pierdo fotos por no tener cargada la película correcta ni debo llevar varios cuerpos de cámara para suplir este tema, como solía hacer.

Por esto y muchísimo más es hora de empezar a dejar de ciclar siempre sobre lo mismo, como el hampster en la rueda. Yo se que hay fanáticos del Súper 8 pero las películas que hoy vemos se filman con equipos digitales 4K y algunas siguen siendo artísticamente hermosas.

Todos los que ponderan la utilización de lo viejo argumentando que la calidad es mejor, fíjense que lo hacen usando internet, una red social, computadoras, tecnología … No se nota allí una dicotomía?

Siempre hubo y habrá detractores de lo moderno con alegatos muy convincentes hasta que la realidad les pasa por encima. Ustedes pueden dejar que la realidad les pase por encima y seguir quemando sin demasiada suerte rollos y rollos, gastando un montón de dinero, o empezar a pensar fotográficamente, dejando de lado las modas y expresando lo que sea quieran expresar mediante eso que se llama creatividad… a nadie debiera importarle la herramienta que usaron si llegaron a decir lo que quisieron decir mediante una imagen.

Hoy que componer es “barato” y una mala toma se arregla en el momento, de verdad quieren seguir vendiéndome  de nuevo el viejo rollo de siempre?

Esta nota fue escrita en una notebook porque no conseguí cinta para mi querida Remington.

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El pensamiento fotográfico – por Walter Belfiore

También podría haber titulado esta nota “La toma de decisión al momento de oprimir el obturador” y esto puede llevar a pensar en encuadres y otras cuestiones que exceden este artículo. Tampoco hablaré aquí de la “mirada fotográfica” que se tiene o no se tiene y que es sencillamente la capacidad de ver la “foto” donde posiblemente otros no la vean.

Aprovecho a aclarar en este punto que la mirada fotográfica puede desarrollarse perfectamente con el simple hecho de mirar mucha fotografía  (nada de selfies ni de fotografías de celular), hablo del trabajo de los grandes maestros del arte fotográfico, y de la posibilidad de domesticar la mirada luego de mucho observar y estudiar el trabajo de estos artistas gracias a la facilidad que hoy nos brinda internet para acceder a imágenes, muchas veces descatalogadas, o que sólo es posible admirar en museos y galerías de arte.

Sabiendo que no hablaré de la construcción de la imagen creativa en si,  ni de las musas y cómo vienen a nuestro auxilio en el momento de “ver la foto” –eso da para otro artículo un poquito mas extenso-, me centraré en lo que considero el pensamiento fotográfico o la toma de decisión al elegir qué parámetros usar para cada situación previamente y en una fracción de segundo, ya que de eso se trata la fotografía… de la rapidez para capturar eternamente un instante mínimo y fugaz.

Los que tomaron cursos de fotografía saben que es mala palabra utilizar el modo automático en una cámara réflex moderna -me niego a decirle digital, ya es hora de aceptar que el sensor ha suplantado muy bien al acetato y los haluros de plata-, esa frase fue repetida una y mil veces por profesores o incluso por conocidos y amigos que la escucharon y repiten. Por supuesto, estoy de acuerdo totalmente en que nunca se debe dejar el control de la situación a la cámara (modo automático) ya que somos nosotros y nuestra idea previa los que debemos “decidir” qué parámetros utilizar –ajustar- de acuerdo a factores varios que tienen que ver con la luz imperante, con el fondo, con el movimiento o con la estaticidad del motivo a fotografiar.

Por mi parte, el único automatismo que me permito es el enfoque puntual. Me gusta ver el puntito rojo y escuchar el peep de enfocado en el preciso lugar que yo elijo, para luego sin soltar el obturador, componer la fotografía final y seguir el recorrido del dedo hacia abajo para capturar la imagen. Contado así tiene algo de erótico y sin duda para mí lo es.

 

Los fotómetros de luz reflejada que tienen todas las cámaras sirven apenas de referencia ante la realidad cambiante de una situación lumínica en la vida real, pero sirven sin duda para darnos un punto de partida y no empezar a ciegas.

Cuando fotografío retratos en la calle suelo medir la luz de la palma de mi mano, teniendo en cuenta que la luz que refleje sea similar a la que incida sobre el rostro que fotografiaré, de esta forma llegado el momento no perderé la espontaneidad de nuestro modelo ante mediciones y configuraciones que nada aportan, y que además, impiden concentrarme en lo importante: captar el instante decisivo. Las mediciones ante los modelos son muy poco profesionales (teniendo en cuenta que estamos realizando fotoreportaje y no nos serviría perder el tiempo realizando ajustes) y molestos por lo que a fuerza de práctica debemos lograr parametrizar lo menos posible, llevarnos el ocular a los ojos solo para componer y disparar. La luz debemos dominarla de antemano.

Cómo decidir qué parámetros usar lo indicará el motivo a fotografiar, es muy sencillo y daré algunos ejemplos:

Una persona corriendo me está diciendo que la elección prioritaria es la de obturación, ya que mediante la velocidad que elija, lograré congelar ese movimiento. Si tenemos un cielo nublado de día (la mejor condición posible para realizar fotos porque las nubes hacen de filtro natural, suavizando las sombras duras), una obturación de 1/200s en un objetivo de 50mm es más que suficiente para capturar el instante, ya que en esa condición podremos trabajar con un diafragma de f8 y 100 ISO. Si estamos hablando de fotografiar una maratón y queremos congelar la situación, dispararemos a 1/500s y como la profundidad de campo del f8 nos gusta subiremos el ISO a 400 ó 600 (las modernas cámaras soportan muy bien sensibilidades de hasta 2000 sin mayores problemas).

El diafragma f8 nos da una gran profundidad de campo con un objetivo de 50 mm, sobre todo, si el motivo no está muy cerca, por lo que si queremos desenfocar un fondo molesto o confuso debiéramos aislarlo, abriendo el diafragma a un f1:8 por ejemplo, y como en este caso entraría mucha mas luz a nuestro sensor en lugar del 1/500, del primer ejemplo posiblemente deberemos disparar a 1/2000s.

Hay que tener en cuenta que la velocidad mínima de obturación para disparar con la cámara en mano (sin trípode) dependerá también de la focal empleada, ya que no es lo mismo utilizar una velocidad de 1/15s en un angular de 18mm, a utilizar esta misma velocidad en un teleobjetivo de 400mm. Les aseguro que mientras el angular “absorbe” la vibración ocasionada por el espejo de la réflex, el teleobjetivo la magnifica.

Como regla orientativa podemos decir que la velocidad de obturación para trabajar con cámara en mano debe ser 1/longitud focal –teniendo en cuenta que el valor de la misma depende del factor de multiplicación o recorte del sensor para una velocidad “segura”.  ya Bien sabemos que un 50mm en una Full Frame es un 50 mm real pero en un sensor APS-C esta focal se multiplica por 1.5 ó 1.6, es decir, que la focal real sería en estas cámaras de 75 a 80mm. Es decir, si tenemos un objetivo 18-105 en una APS-C en realidad tenemos una focal de 27-157mm (en Níkon porque en Canon el factor es 1.6). O sea que si disparamos en la focal máxima de 105mm la realidad es que lo estamos haciendo en una focal de 157 por lo que la velocidad de obturación no debiera ser menor en este caso de 1/150s. Si disparamos en 18mm, lo estaremos haciendo realmente en 27mm por lo que la velocidad mínima indicada de obturación para evitar vibraciones sería 1/30. En Full Frame 100mm es 100mm por lo que para disparar con esa focal estaría bien una obturación mínima de 1/100s. Todo esto es teoría pura, con práctica van a ver que las velocidades para trabajar, cámara en mano, pueden ser menores dependiendo del pulso, de la práctica, de los objetivos estabilizados y de la manera de sostener la cámara…

Otra forma de eliminar fondos molestos si fotografiamos una persona corriendo es haciendo el famoso barrido para lo cual usaremos velocidades de 1/15s o menores, siguiendo al sujeto en la carrera y obturando sin dejar de seguirlo ni detener la cámara cuando obturamos. Lograremos así, imágenes de mucho dinamismo y acción con el protagonista nítido y el fondo barrido. Claro que disparar a velocidades lentas significa compensar con diafragmas mas cerrados, o filtros de densidad neutra (de los que no hablaré en esta nota.)

Una buena imagen incluso puede estar totalmente movida y aún así transmitir mucho, pero es necesario que lo movido no se interprete como un error al momento de la toma si no como una elección del fotógrafo… es fácil: si hacemos imágenes movidas que estén bien movidas sin que deje de entenderse qué es lo que fotografiamos. Si lo están apenas, la mente las asocia automáticamente a un error o desenfoque.

Cuando fotografiamos paisajes ya no tenemos problemas con la cinética, ellos están allí inmóviles para nosotros e incluso nos permiten elegir la mejor hora para fotografiarlos (al amanecer o atardecer en donde la temperatura de color es cálida y la luz converge lateralmente dándoles profundidad). En este tipo de fotografía, por lo general, se requiere de diafragmas cerrados que nos permitan lograr mucha profundidad de campo para tener foco desde un par de metros hasta el infinito. Veremos que aquí la prioridad al elegir el parámetro principal es justamente el diafragma y no la velocidad, diafragma que rondará entre el f/8 al f/32, siendo por lo general, un f/16 más que suficiente.

Ahora bien, imaginemos un paisaje al atardecer, en ese instante denominado “hora azul” donde las luces empiezan a encenderse, si estamos en una ciudad, pero aún hay rastros de luz en el cielo. Un diafragma f/16 para obtener mucha profundidad de campo nos obligaría a trabajar con velocidades de hasta 1 segundo de exposición a ISO 100, por lo que el trípode se vuelve un accesorio imprescindible si no queremos fotos movidas. Podrán pensar que la solución es elevar el ISO a 1600 o más y así hacer la foto a mayor velocidad de obturación con la cámara en la mano, pero un ISO elevado genera ruido, sobre todo en sensores pequeños, y el ruido en paisajes no suele quedar nada bien.

Ni hablar de la fotografía nocturna donde muchos piensan erróneamente que se utilizan sensibilidades ISO muy elevadas y diafragmas muy abiertos… nada de eso. En nocturnas el secreto es el tiempo de exposición. Sabemos dos cosas aquí: seguimos necesitando mucha profundidad de campo, o sea que optamos por un f/11 (por poner un ejemplo) y necesitamos, también que el sensor reciba mucha luz porque es de noche, digamos 30 segundos de exposición. El ISO a lo sumo lo ponemos en 400 o lo dejamos en 100 y en todo caso alargamos o acortamos el tiempo de exposición… (aclaro que la fotografía nocturna es una técnica especial que requiere de muchísima práctica y lo aquí expuesto es un sencillo ejemplo nada más como para desmitificar algunos conceptos que no suelen estar muy claros).

Para finalizar diría que es necesario conocer previamente lo que vamos a fotografiar, la fotografía de deportes, de calle, periodística y de fauna suelen tener cosas en común que hacen que debamos adelantarnos a la acción. La fotografía de paisajes, por el contrario, nos permite la meditación de la toma al igual que la de retratos en estudio.

El pensamiento fotográfico nos llevará a la elección correcta de cada parámetro y sabremos cuándo es necesario priorizar la velocidad, cuándo el diafragma y cuándo la sensibilidad ISO. Todas son decisiones que tomamos nosotros en base a lo que queremos conseguir y por cada elección tenemos dos parámetros que ajustaremos casi sin pensar a fuerza de práctica.

No existe fotografía que no pueda lograrse mediante la combinación adecuada de obturación, diafragma e ISO.

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El reencuadre, un error contundente -por Walter Belfiore

La posible definición de reencuadrar en fotografía puede postularse de la siguiente manera: reencuadre es la selección de una parte de la imagen para convertirla en un todo. Podemos decirlo de una manera distinta y mucho más realista: se trata de intentar conseguir que una foto mediocre o directamente mala, sea al menos salvable recortando todo el sobrante que distrae la atención y que no se tuvo en cuenta en el momento de oprimir el obturador. Ya comenté en una nota anterior que al momento de encuadrar la toma en una cámara con sensor digital, debemos proceder de la misma forma que lo haríamos con una cámara de película.  Miremos la imagen, definamos sus posibilidades de acuerdo a nuestro criterio creativo y obturemos recién cuando nos conforme lo que veamos por el ocular o en la pantalla LCD. Si no procedemos así y disparamos sin dedicar un mínimo de tiempo a la composición suponiendo que en definitiva con la computadora “todo se arregla”,  lo nuestro posiblemente no sea la fotografìa sinó el arte digital (sin menoscabo alguno por este arte)

Es evidente que podemos arreglar un horizonte caído y recortar parte del cielo o de la tierra y hasta aislar nuestro punto de interés de un entorno distractivo mediante el recorte, pero estaremos perdiendo píxeles al hacerlo. Esta pérdida tal vez no sea muy relevante si no pensamos ampliar la fotografía obtenida pero puede ser crucial si pensamos hacerlo. Por ejemplo, supongamos que disparamos con una cámara de doce megapixeles y nos damos cuenta que lo único que nos interesa de la imagen es el nido de hornero que se ve en la copa de un árbol. Recortamos entonces el nido, dejando fuera parte del árbol, del cielo y hasta la casa que se veía a un costado y obtenemos una imagen final reencuadrada de unos 800×600 pixeles totales con el motivo que nos interesaba. Ahora vamos al laboratorio y al pedir una copia nos dicen que es imposible ampliar a más de 9×13 cm con esa calidad ya que es casi la misma obtenida con la camarita de un teléfono celular común. Ven a lo que voy…?

Ni hablar si trabajamos con cámaras que posean sensores APS-C ya que al ser bastante mas pequeños que los sensores Full Frame nos limitan mucho mas cualquier recorte futuro en el revelado digital o post-proceso.

En síntesis, acostúmbrense a tomarse el debido tiempo para componer la imagen en forma precisa de forma que llene todo el cuadro, con la práctica la “la foto” y el “momento” justo se verán antes de llevarse el ocular a los ojos.

La composición es uno de los factores principales que diferencia a un fotógrafo de otro, no es un tema menor y si nos acostumbramos a “recortar” en la edición nos estamos engañando a nosotros mismos que fallamos en el momento donde la simple presión del dedo fija un instante para siempre. Puede ser que hoy existan muchas más personas que hagan fotografías, lo que es seguro es que no hay muchos más fotógrafos y esto puede deberse justamente a ese pensamiento erróneo “-…Total lo arreglo en la computadora…”

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Árboles de luz – como la hice

Cada vez que publico esta foto suelen preguntarme como logré ese efecto surrealista en la iluminación que hace que los árboles parecieran emitir luz… lo que es evidente para muchos no lo es para otros y no está demás una breve explicación.

Quién me conoce sabe lo mucho que me gusta hacer fotos con luz natural y sin retoques posteriores salvo el paso al BN. Y como bien sabemos, la mejor calidad lumínica la obtenemos siempre al amanecer y al atardecer, esta foto la hice con la última luz de un sol de otoño.

A mis espaldas tenía una hilera de árboles que proyectaban su sombras sobre la hojarasca y el ocultamiento del fotógrafo no se debe a ningún truco de Photoshop,  simplemente oculté mi sombra en alguna de las tantas sombras diagonales que ocultan también la luz del sol.

La medición que uso siempre es puntual y en este caso medí las altas luces y sobreexpuse un poco para lograr esa “iridiscencia” en las líneas de luz que convergen hacia los árboles. Logré así mismo quitarle protagonismo al resto de la escena ya que al tratarse de un bosque y al estar el sol muy bajo, naturalmente se volvió oscuro.

Por último y con el visor en los ojos me fui moviendo buscando que las líneas apunten hacia donde yo quisiera, es decir buscando la composición que me agradara y … voilá, ese es el secreto de una foto sencilla y efectista de mis árboles que lejos de emitir luz, la reflejan.

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Pueden ver parte de mi obra en mi face público:
https://www.facebook.com/belfioreph

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Desnudo Artístico: Guía práctica para trabajar con modelos

Muchos fotógrafos están volcándose al desnudo artístico, una disciplina que existe casi desde el momento en que se inventó la fotografía pero que sigue siendo la asignatura pendiente de muchos y cuando la encaran existe un cierto temor o inseguridad.

Yo contaré aquí mi experiencia brevemente confiando en que pueda servirle a quién se inicia.

Empecé en esto del desnudo artístico hace unos diez años pero soy fotógrafo desde que tengo memoria. Ya revelaba mis propias fotos en blanco y negro a los diez años y pasé por todos los estilos empezando por paisajes, arquitectura, macrofotografía, naturaleza y retratos… siempre admiré la obra de Jeanloup Sieff y Helmut Newton entre otros grandes exponentes del género y me pareció interesante incursionar en el tema.

Recuerdo haber puesto un aviso en una página de casting buscando modelo, de preferencia bailarina… no tenía mucha experiencia en el tema como les digo y pensé que el cuerpo estilizado de una bailarina iría bien con las fotos que tenía en mente. Luego me di cuenta que no importa demasiado un cuerpo perfecto sinó la actitud ante la cámara.

Al aviso respondieron por mails varias postulantes, incluso algunas enviaron sus fotos desnudas, cosa que en realidad no solicité y no creo conveniente hacer. Me di cuenta que la mayoría no eran modelos sinó mas bien promotoras o mujeres que querían incursionar como yo en esta disciplina por primera vez. Algunas me ofrecieron hacer intercambio TFCD (algo así como su tiempo por el CD con las fotos) porque como digo necesitaban buenas fotos para iniciarse en el posado artístico. Preferí descartar el intercambio para no sentirme obligado a nada y le pagué a una modelo que además de bailarina era actriz. La sesión prevista en unas dos horas se prolongó casi cinco porque nos pusimos a charlar de arte y ella sabía bastante del tema y amaba lo que hacía…

Esto es fundamental, amar lo que se está haciendo porque si es solo el dinero lo que mueve a la modelo difícilmente se logre algo mas que un par de buenas fotos, y eso solamente si el fotógrafo es muy bueno. Me gusta pensar que el éxito de una buena sesión de desnudo se debe tanto a la modelo como al fotógrafo en partes iguales y no estoy cerrado para nada a las modelos con iniciativa, al contrario.

Otra cosa fundamental en cualquier sesión es tener una idea previa de lo que quiere lograrse. A veces suelo dibujar poses o ideas de como quiero que incida la luz sobre el cuerpo. Lo importante es demostrar seguridad durante toda la sesión y trabajar rápido teniendo los planos predefinidos así ahorramos tiempo y transmitimos seguridad si es la primera vez que trabajamos con la modelo.

Si es la primera vez además es casi obligatorio la presencia de otra mujer, ya sea de asistente o maquilladora. Esto genera confianza y soltura y ambas son fundamentales para quién se desnuda por primera vez ante nuestra cámara.

Está bueno de vez en cuando realizar una Jam libre jugando solo con la luz y poses pero esto nunca sale bien si no se trabajó previamente con la modelo y no existe cierto grado de complicidad que como ya dije solo se logra con la confianza y esta viene de la mano de la calidad del trabajo que realizamos además del buen trato.

Debemos respetar la intimidad de la modelo siempre, es decir… no fotografiarla mientras se desnuda o cambia, no es profesional.
También ser consciente que una sesión puede ser agotadora, dependiendo el tipo de poses que pidamos. Por lo general si es en estudio no pasar de un par de horas de sesión y respetar el descanso de la modelo, transcurrido ese tiempo, primero porque indefectiblemente el cansancio se va a notar en las fotos y segundo porque posar es un trabajo mental que requiere estar atento al fotógrafo y una modelo relajada y descansada se va a sentir mejor y por consiguiente con mas ganas de hacer fotos. Ni hablar si trabajamos en exteriores donde exponer la piel desnuda al sol no debiera sobrepasar los diez o quince minutos. La comodidad de la modelo es fundamental.

Mostrar algunas fotos de la sesión mientras se realizan puede servir para incentivar, no suelo mostrar todas, sólo las que realmente me gustan y cuando lo hago logro que la modelo se sienta mas segura y tranquila con el trabajo que estamos realizando.

Nunca, bajo ninguna circunstancia permitir que novios, maridos o amantes entren al set o locación ya que la modelo por lo general se siente cohibida ante ellos y busca constantemente la aprobación con la mirada ante algún requerimiento nuestro. Me pasó sólo dos veces y de esas sesiones no conservo ninguna foto porque la modelo no logró relajarse… o sea que perdí el tiempo.

Hacer firmar siempre un contrato bien específico sobre la cesión de las imágenes, ya se trate de una sesión paga o de intercambio. En este debe estar especificado que se hará con las fotos y los permisos para su uso… en internet hay varios contratos tipo por lo que no me extenderé en este punto. Solo diré que sin contrato puede pasar que al cabo de un tiempo la modelo se ponga de novio con alguien celoso, o consiga algún trabajo (no como modelo) y tema que googleando su nombre aparezcan sus desnudos y sus jefes los encuentren. Es una buena práctica no usar nunca el nombre real de la modelo cuando se publican fotos en internet, salvo que ella lo pida específicamente porque piensa hacer del modelaje su carrera. Yo personalmente creo que nadie debe renegar de su pasado mucho menos si se trata de un trabajo artístico pero también me pasó haberle realizado fotos a amigas que luego me pidieron que por favor las quite. También es una pérdida de tiempo y una pena por el material que ya no puede mostrarse…
Por eso: siempre tener un contrato de cesión de imagen firmado aunque estemos trabajando con una conocida que no es modelo profesional. Esto no significa que llegado el caso uno sea inflexible pero ayuda a que estos pedidos de quitar fotos no sean tan relevantes.

No trabajar nunca con alguien que llega a la sesión sin ganas, mejor guardar todo y cancelar. Me pasó hace poco que una modelo me pidió por medio de un conocido que yo le hiciera unas fotos y llegó a la sesión con muy mal ánimo y sin dormir pero el colmo fue cuando en un momento y ante un pedido mio me contestó “-ya estoy cansada de las poses para revistas masculinas.” –cosa que yo no hago- … Luego para rematarla y a los pocos minuto le pedí que usara una prenda oscura y ella me contestó “-esa ya la usé en otra foto.” Obviamente dejé de hacerle fotos y a pesar que las pocas que publiqué tuvieron bastante éxito y le consiguieron trabajo como modelo, descubrí que la modelo era mas bien promotora y créanme, son cosas muy distintas.

En síntesis, traten de conocer a la modelo previamente a la sesión de fotos, mediante un café en un lugar público es lo ideal. Ahí se aclaran todas las dudas de ambas partes y se decide ya sobre seguro si se hará la sesión con esa persona o no.

No es tan importante una belleza impactante ya que por experiencia se que esas bellezas por lo general están bien para la pasarela pero no para posar desnudas ante una cámara. Para posar vale muchísimo mas la actitud que la belleza física, lo sé porque lo comprobé muchísimas veces… Hay mujeres bonitas que deslumbran ante la cámara y mujeres hermosas que no logran soltarse en ningún momento …

Posar desnuda no es para cualquiera, se requiere carisma, profesionalismo y un sentido total de la estética para entender lo que el fotógrafo desea plasmar. Cuando damos con una modelo que además de estas condiciones es tan bella por dentro como por fuera es normal que se convierta en nuestra musa y la tengamos presente para la mayoría de nuestros proyectos artísticos.

Una buena opción para los que se inician es asistir a talleres ya que ahí tienen resuelto gran parte de los problemas y pueden ir tomando confianza de la mano de profesionales. En un taller de Desnudo Artístico además de tener resuelto el tema casting, locación, iluminación, poses y demás, el organizador se asegurará de asistirlos para que logren las mejores fotos y les dará libertad creativa… por supuesto hay que saber elegir a que taller asistir.

Un último consejo, esta vez para las modelos: Tengan cuidado! Muchos se compran una cámara réflex y ya se consideran fotógrafos cuando lo único que son es “poseedores de una cámara réflex”.

Si las convocan busquen la obra del fotógrafo en cuestión googleando su nombre. Si no les gusta lo que ven piensen que en definitiva es su imagen la que estará en juego, una mala foto siempre va a quedar así – tanto como una buena. Si no encuentran su obra publicada –algunos no suelen publicar en internet- consulten a otros fotógrafos y modelos que experiencia tuvieron… Y si están empezando de manera profesional en el modelaje artístico es mucho más importante descartar los “malos fotógrafos” ya que necesitan tener uno o varios portfolios de calidad y en este caso puede ser interesante trabajar con el sistema de intercambio pero eligiendo ustedes al fotógrafo en lugar de trabajar con cualquier fotógrafo aunque el trabajo sea remunerado.

NOTA: No utilicé en este artículo desnudos totales porque la normativa de facebook no lo permite. Mis obras sin censura pueden verse en

https://500px.com/walterbelfioreph

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Responde Walter Belfiore, reportaje Foto Revista, enero de 2011…

… Lo acabo de encontrar en internet y lo publico porque no quiero perderlo.  Leyéndolo me doy cuenta que no cambié ni un poquito y que tiene tanta vigencia como si me lo hubieran hecho ayer… 

1. ¿Cómo llegaste a FotoRevista y cuanto tiempo hace que eres lector o que interactúas en ella?
Llegué hace poco más de un año pero la conozco desde bastante antes, calculo que desde que la crearon ya que navego mucho en internet y sobre todo viendo sitios y portales de fotografía.

2. ¿Conoces personalmente a algún integrante de ésta web?
Personalmente a seis o siete sujetos. Incluso hemos salido de tragos juntos alguna vez. Por mail a unos veinte usuarios que me hacen sentir como que nos conocièramos desde siempre.

3. Si conoces a alguien que dice ser y no es, ¿qué actitud tomarías?
Ignorarlo. Pero soy de sacar la ficha enseguida, aún por teléfono. Es mas algunos malpensados dicen que soy tan cerrado que considero a todos enemigos hasta que no demuestran lo contrario. Puras falacias!

4. ¿Memoria rápida o lenta?
memoria rapidísima, poder elegir las palabras adecuadas para volcarla eso ya es un poco mas lento.

5. ¿Eres solitario o necesitas compartir?
Comparto en soledad. Internet me da esa posibilidad. No me siento muy cómodo en reuniones de más de cuatro personas y si puedo evitar las reuniones mucho mejor.

6. ¿Hay maldad, envidia o codicia en tu corazón? si tienes alguna de éstas “virtudes” ¿Puedes detallar en qué momento las manifiestas o son despertadas por terceros?
Soy temerariamente jodido cuando alguien no procede como debiera. No se si es maldad pero supongo que puedo serlo y no me provoca remordimientos si alguien hizo florecer esa maldad que en definitiva todos tenemos amaestrada. Envidia y codicia no no pero mataría por tu D7000 jajajajaj.

7. ¿Te gusta la competencia? ¿Es buena, mala o de ella sacamos superación?
Sólo compito si estoy seguro de tener chance de ganar. Lo importante es ganar no competir.. así era el dicho?… Si la competencia es leal sirve como herramienta de superación, pero què competencia es leal?

8. ¿Usas diafragma?
Obvio, los prefiero bien abiertos.

9. ¿Tus defectos los tienes asumidos, los podrías detallar con la mayor sinceridad posible?
Qué defectos???!!!!

10. ¿Eres adicto/a?
La fotografía, la belleza de una obra de arte y el olor de las hojas de los libros nuevos.

11. ¿Qué quiere decir “haluros”?
Era lo que usábamos los que nacimos analógicos en lugar de los sensores que disponemos hoy. El haluro de plata es una substancia sensible a la luz pero que no està presente en los ojos, no nos confundamos. Lo dice un fotofóbico.

12. ¿Te gusta romper las reglas y si es así a que tipo de reglas te estás refiriendo?
Las reglas fueron hechas para que alguien con creatividad, valor o simple estupidez, las rompa. No romperlas nunca sería demasiado aburrido. Me refiero a las de composición y algunas reglas de la vida, pero a estas últimas pocas veces suelo romperlas porque es ilegal según me criaron.

13. ¿Cómo describirías el sentido de éstas dos palabras “pluralismo y diversidad” y en qué ocasiones las ejercerías?
Eso creo que es ni mas ni menos que el principio de la democracia verdad???

14. D76, Rodinal ¿son antidepresivos…?
Son reveladores, uno venía en polvo para diluir y el otro en un hermoso frasco color caramelo. Extraño el olor de ambos.

15. ¿Qué te irrita de los demás y en que circunstancias?
Me irrita la gente que habla de mas, que cree que puede opinar de todo porque todo lo sabe, el que se la da de genio, el egocentrico, el que leyó absolutamente todo y vió todas las películas, el que se sabe los nombre de los actores, directores, trama y autores ni bien alguien abre la boca para comentar… Y en la circunstancia que me irrita es si esa persona comparte una mesa conmigo, porque para hacer todo eso estoy yo!

16. ¿La famosa fotografía del hombre pisando la Luna es verdadera o armada?
La fotografía es verdadera, el tema es saber si lo que estaba pisando era la luna o el desierto… Lo que realmente es un hecho es que el hombre no llegó a la luna cuando dice que lo hizo sinó bastante después, había que ganarle a los rusos no?

17. ¿Vives o sobrevives?
En este país no se puede mas que sobrevivir, pero no me refiero a lo económico. Hay muchos factores que atentan contra la vida de verdad.

18. ¿Qué fotografía te compraste como souvenir?
`The Tetons and the Snake River` de Ansel Adams, algun desnudo deforme de Bill Brandt y una de Helmut Newton pero de estas dos no recuerdo los nombres.

19. ¿Cámara oscura es una cámara sin flash o un tono de la misma?
No es más que un cajón con la tapa y un agujerito al frente. El principio básico de la fotografía. En sus orígenes ni podemos hablar de instrumento óptico.

20. ¿Cajas, cajones, gavetas, folios, memorias… están llenos de…?
Fotos viejas, rollos sin revelar, algunos sin usar y polvo, mucho polvo.

21. ¿Chica para cualquier oportunidad o grande para exhibir?
El tamaño definitivamente importa. Bien grande pero no creo que para exhibir.

22. ¿Eres un gran adolescente o un adolescente tardío?
Adolezco de muchas cosas, con decirles que nunca me salieron las muelas de juicio… Pienso fuera de broma que todo aquel que tenga pretensiones artísticas nunca debe perder la mirada del niño, pero no ser tan pavo como el adolescente!

23. Cuentahilos ¿que es?
Creo que una lupa..

24. ¿Estereoscópica es una copia en estéreo?
Es un sistema para ver fotos en 3D hace mucho tiempo y que producía el mismo dolor de cabeza y de ojos que los modernos sistemas.

25. Encuadrar ¿es poner el cuadro derecho?
Es componer de la mejor manera posible. De la manera que nos dicta el corazón y el cerebro.

26. ¿Quizz es una banda musical, una canción o…?
Kiss es beso y una banda de rock metálico. Quizz ni idea. Podría recurrir a Google pero los estaría engañando a Uds. y a mi mismo.

27. Estenopeica ¿es fotografía o una radiografía de una fotografía especial?
Es un estilo de fotografía que se está imponiendo y que se logra hacer casi sin cámara. Es ideal para aquellos que no tienen un peso partido al medio y hacen unas fotos horribles con un cajoncito y luego la presentan como obra de arte.

28. ¿Qué significado tienen las rayas blancas en las calles que son iguales en todo el mundo?
Supongo que el mismo que las rayas blancas de las cebras… la verdad es que no manejo por lo que de vialidad se muy poco y de zoología tampoco se mucho.

29. ¿Eres creyente, ateo o agnóstico?
Agnóstico pero si en el momento de la muerte llego a ver una luz blanca tal vez tenga tiempo de arrepentirme, espero haya un curita cerca!!

30. ¿Nos podes comentar algo de tus imágenes? ¿y de tu imagen?
Los imagenes deben hablar por si mismas, esta es la pregunta más complicada de todas… así no vale. Y de mi imagen sólo puedo decir que la gente me ve ligeramente desenfocado.

31. ¿Si te quieren robar tu equipo, ¿te encomiendas a los Dioses o lo entregas?… ¿y si fuera tu identidad?
Mas vale que el caco esté dispuesto a sangrar. Yo podría decir como hacen todos que la vida vale mucho para arriesgarla pero cuando uno tiene un carácter de merde como el mío… además ya me pasó hace un par de año y los dos cacos que quisieron birlarse mi canon en una playa del partido de la costa creo que aún se arrepienten de ello. Además de todo les hice fotos y las envié a todos los medios de prensa y comisarías de la costa. Aún las conservo. Eso si, odio ver sangre y sobre todo si es mía.

32. Cuando te enteraste que no existen los Reyes Magos, Papá Noel, el cuco o el hombre de la bolsa, ¿con quién te enojaste o a quien comprendiste con el paso del tiempo?
Me lo dijo mi mejor amiga a los cinco años y desde entonces que no le hablo, que derecho tenía a matar la ilusión??

33. ¿Qué es la mentira? ¿La utilizas en ciertas ocasiones?
Casi nunca miento pero reconozco que si lo hubiera hecho más seguido aún conservaría casi todas mis amistades. Y mis ex jefes no me odiarían. Soy bastante frontal y eso a esta altura se positivamente que trae problemas pero ya no pienso cambiarlo.

34. ¿Quién o que te contiene?
Mi pareja y mi perro cuando me mira y me mueve la cola… Cuando mi pareja me mueve la cola tambièn me contiene.

35. ¿Qué fantasía quisieras cumplirte?
La de todo hombre de 47 años de nuestra generación, vamos hace falta que la mencione??!!

36. ¿Qué significado le darías a la frase “apariencia y legalidad”?
No creo deba darle ningún significado ya que entiendo perfectamente que son ambas… lo que me gustaría es que las cosas, y me refiero sobre todo a los políticos… dejen las apariencias y apuesten a la legalidad. Voto sinceramente por ese 80 por ciento de Argentinos empiece a entender que son palabras totalmente discordantes. la una no tiene nada que ver con la otra.

37. ¿Podrías explicar que es Ética? ¿…y malas costumbres?
Etica es utilizar la educación que nuestros padres nos dieron para proceder correctamente. La falta de ética puede llegar a ser cuasi un delito, las malas costumbres no, son solo eso. Con falta de ética puedo dañar a una persona, la mala costumbre pasa por sacar la basura fuera de horario.

38. ¿Perteneces a grandes redes sociales cibernéticas? de ser así ¿qué experiencias nos puedes contar de pertenecer a ellas?
Trabajé desde que se inventó internet desarrollando cosas para internet a pesar de lo cual siempre me negué a todo lo que sea 2.0 pero hace poco más de un año debí a la fuerza entrar en Facebook y otras redes para difundir mi trabajo, bien utilizadas las redes sociales son útiles. mal utilizadas un peligro. No es bueno que nadie sepa al instante donde estoy y que estoy pensando, además que le importa! Los jóvenes no tienen noción de la privacidad que están perdiendo para estar IN, yo prefiero estar OUT y en mi tiempo libre seguir jugando al yoyó o al valero… pero que uso las redes sociales por trabajo, lo hago, sin duda.

39. ¿Las peleas verbales donde conducen?… ¿y las escritas?
Las peleas verbales y escritas no conducen a nada o pueden desencadenar una guerra. A mi en lo personal no me gusta escribir para discutir con alguien, prefiero levantar el teléfono, es más pràctico y rápido.

40. ¿Leíste “Un mundo Feliz”? ¿Qué opinas del mismo?
Opino que el amigo Huxley era un genio ya que describió lo que nos está pasando hoy en el año 1932… No me vengan con Zaratustra, ese es un payaso en comparación.

41. ¿Qué estación del año te gusta más?
El otoño es la que provee la mejor luz!!

42. ¿Tienes miedos?
Si, a que la cosa no cambie y la incultura siga ganando terreno!

43. ¿La profundidad de campo… se mide en metros, kilómetros o a ojito?
Yo suelo medirla con un telémetro.

44. ¿Si te ofrecen buen dinero para hacer fotografías pornográficas, lo rechazarías o lo aceptarías?
De cuanto estamos hablando???!!!

45. ¿A que edad empezaste a manejar el tema…?
El tema de la pornografía lo empecé a manejar a mis ocho años cuando un primo regresó del viaje en la Fragata Libertad y me mostró un hermoso libro de fotografías impreso en Suecia. ya había visto tetas en las películas de Sarli pero ese libro me abrió la mente!!

46. ¿Corres detrás de la nueva y bella o te quedas con la que estás acostumbrado que te alcanza para tus necesidades y realizaciones?
Por experiencia se que no por nueva debe ser bella. Si la que tengo me alcanza para mis necesidades estoy feliz!

47. ¿Qué es crecer?
Es seguir teniendo erecciones y eyaculando siempre pero ya no al mismo tiempo… no, eso es hacerse viejo no?… entonces crecer debe ser seguir teniendo ganas y deseos de aprender a diario algo nuevo.

48. Coherencia entre la personalidad y la obra ¿Qué es?
Una utopìa al menos en mi caso.

49. ¿Qué animal te agrada como compañero/a?
Los perros sin duda, si es perra mejor!

50. ¿Tienes virtudes, las puedes detallar?
Si como virtud puede tomarse el no meterme en la vida de nadie a opinar, creo que es la única que tengo, no me gusta el chusmerío o que me cuenten cosas de personas que no conozco. No me interesa mucho como cada uno decide vivir su vida siempre que ello no afecte a la mia.

51. ¿Dónde colgaste la fotografía que te regalaron?
Me regalaron tantas fotografías en mi vida que debería vivir en una mansión para poder colgarlas todas. En mi living sólo tengo colgadas fotos propias.

52. ¿Sueñas o te ilusionas?
Tengo sueños que a veces convierto en realidad e ilusiones que son sólo sueños.

53. ¿Podrías contarnos de que se tratan los “15 minutos de fama”? ¿te gustaría tenerlos o ya los viviste?
Soy muy jóven aún, tengo tiempo para esos minutos de fama… y espero sean muchos mas que 15 minutos.

54. ¿Consideras que FotoRevista es muy amplia o que trata de ser equilibrada y justa dentro de los parámetros sociales? (no quiere decir que lo sea!!)
Es condenadamente amplia y absolutamente democrática y justa (no me voy a arriesgar a que me borren todas las fotos estimados…jajaj). No, de verdad lo creo, son muy abiertos, yo no podría serlo tanto.

55. ¿Te agrada que te escuchen y te tengan en cuenta?
Prefiero que me escuchen y tengan en cuenta lo que dije no a mi, yo prefiero pasar desapercibido sobre todo en cumpleaños y fiestas de guardar.

56. ¿Debatir es un batido de distintos gustos para unificar uno solo o es una mezcla de todo para algo diferente?
Una mezcla de todo de lo que casio nunca sale un batido que guste a todo el mundo.

57. ¿Manual o uso automático?
Absolutamente manual menos el autofoco!

58. ¿Prefieres un monitor y la red que concurrir a una reunión?
Seguro!

59. ¿Eres o fuiste en algún momento un “troll” con distintos correos y personalidades? y si lo eres o fuiste ¿por qué y que se siente?
No me parece bien que se metan con lo que cada uno profesa sexualmente pero les voy a contestar… Por divertirme hace muchos años lo fuí, usando antiguos programas de chat, me metía a los foros con tres o cuatro personalidades y buscaba a quièn tomar de punto. Abandoné el jueguito cuando luego de entablar amistad con una bellísima mujer en la que coincidíamos en todo, me entero, justo ante la primer cita y luego de un año de chateo que ella era el !!!

60. 1816 ¿que te dice ésta fecha?
Puesto que la invención de la fotografía es posterior… la verdad no me dice nada la fecha, perdón por lo burro!

61. ¿Tu mañana será igual al de hoy?
Nunca un día es igual al otro!

62. ¿La fotografía es un documento o un registro de recuerdo para cuando nos invada la desmemoria?
Para mi es un arte mayor que puede ser documento y registro pero en primera instancia es arte si quién la hace oprime el disparador con el corazón y la mente, si lo oprime sólo con el dedo es simple documento o registro turístico.

63. Cuando se habla de arte y nadie escucha ¿qué opinas?
Que hay gente que no debiera estar en esa sala, mesa o conversación.

64. ¿Eres caprichoso/a o tozudo/a?
Las dos cosas y en demasía.

65. ¿Conoces algunos cofrades argentinos?
Bueno, yo soy uno, no formo parte de Foto revista??

66. ¿Nació un nuevo arte?
Cuando que no me enteré!! En todo caso no creo que naciera un nuevo arte, tal vez lo que cambiaron son las herramientas para el parto.

67. ¿Internet te facilita comunicarte y compartir sin exponerte físicamente?
A mi me encanta exponerme cuando muestro mi obra, es el único momento que me gusta estar rodeado de gente.

68. ¿Alguna vez te apoderaste de alguna o algunas imágenes de Internet para manipularlas sin importarte el derecho de autor? ¿eres de las personas que piensan que todo lo que hay en la web es de uso libre?
Nunca lo hice porque odiaría que me lo hicieran a mi!

69. ¿Cuántas horas por día les dedicas a navegar?
Cuando contesto cuestionarios como este pueden llegar a ser seis o siete horas, lo normal es que esté conectado unas cuatro horas a intervalos.

70. ¿Tienes límites?
Si no los tuviera pagaría una fortuna de impuestos… Artísticamente hablando la verdad que no los tengo, no creo en la autocensura, para qué habiendo tanta gente que lo hace por uno!

Ese instante que no se olvida, editorial BEX …

Hace unos meses fuí convocado a elegir una de mis fotos favoritas para el libro
ESE INSTANTE QUE NO SE OLVIDA de editorial BEX.

La consigna era elegir la foto de un gran artista y contar la razón por la que esa imagen nos había marcado.

Elegí dos fotos de uno de mis maestros,  Pedro Luis Raota,  y les dejo aquí mi pequeño aporte al libro.

Apuntes sobre Arte Fotográfico II

En la anterior  nota destacaba estos tres puntos:

No hagamos fotos para agradar a nadie, hagámosla para que nos guste en primera instancia a nosotros mismos ya que si no logramos eso de poco sirven los halagos que cosechemos. No sigamos ninguna moda fotográfica ya que si lo hacemos lo más probable es que nuestras imágenes pasen de moda tan rápido como la propia moda.

Aprendamos todo lo que podamos sobre fotografía pero no olvidemos lo fundamental que es “descubrir la imagen” saber mirar el entorno cotidiano sin ataduras ni autocensura, sin límites.

No vivamos  obsesionados por los histogramas, los objetivos, las tablitas de hiperfocales, la edición… el exceso de técnica mata la espontaneidad.  Es preferible una foto movida que nos transmita algo a una perfectamente iluminada que no diga nada. Como ejemplo de lo que digo observen la foto ganadora del  Worldpress Photo 2016 y verán a lo que me refiero.

Pues bien, en esto último se centrará la primera parte de este artículo, en aprender a “ver” la fotografía mediante técnicas muy sencillas que permitirán que el espectador se concentre en lo verdaderamente relevante.

Cuando culminaban mis Talleres de fotografía Creativa solía poner en una pequeña mesa de trabajo una botella de vino y le pedía a mis alumnos que lo fotografiaran dándoles la libertad de iluminar como quisieran y por supuesto de elegir el encuadre (libertad absoluta=creatividad absoluta).  Por supuesto algunos me miraban raro y pensaban “¿como puedo hacer de un envase de vidrio algo visualmente agradable?”… Les aseguro que se puede y mediante este sencillo ejercicio me daba cuenta quién había entendido lo explicado y quién no, o directamente: quién tenía creatividad y quién no la tenía –con la creatividad se nace pero si se tiene verdadera pasión, la mirada creativa puede educarse perfectamente.

Había quienes fotografiaban la botella de frente y con una luz común sin tener en cuenta los reflejos generados por el vidrio pero también estaban los que ponían la cámara en ángulos picados o contrapicados y movían las lámparas para crear contraluces o sombras duras y dramáticas que duplicaban el tamaño de la botella, convirtiéndose la sombra misma en la protagonista de la toma. Se van dando cuenta lo que pretendía con este ejercicio?… Por un lado fijar en mis alumnos la idea de que cualquier objeto sirve para realizar una buena foto si se sabe como “mirarlo-fotografiarlo” y por otro medir el grado de aprendizaje y creatividad de cada uno. Por fortuna el ochenta por ciento demostraba esa creatividad sobre la que habíamos estado trabajando en las clases anteriores.

Para mi hasta una vieja pared descascarada puede convertirse en una obra artística si la iluminamos correctamente, si quitamos del encuadre todo lo que no aporte nada a la toma.
Si fotografiamos un artesano, pintor o escultor, seguramente el entorno aportará carácter a la fotografía ya que al situarlo en su ámbito de trabajo le estamos comunicando al espectador, a que se dedica el retratado… Si cerramos el plano a solo un retrato del rostro, podemos lograr una foto magnífica pero sin comunicar ese “algo mas” que se requiere en el “reportaje fotográfico”.

Muchas veces, por el contrario, los entornos son molestos porque no solo no aportan nada a la personalidad del retratado sino que hacen que la lectura de la fotografía se complique visualmente. Autos que pasan, gente caminando, cables, reflejos … Todo eso genera un peso visual que compite con el eje temático y el espectador tarda bastante en discernir que es lo que en realidad quiso comunicar el fotógrafo. A veces lo que se quiere comunicar es simplemente el caos, como suele ocurrir en fotografía de guerra o reportaje, pero incluso en este caos los buenos fotógrafos fijan un punto de interés desde el cuál es mostrado todo lo caótico de la escena. Steve McCurry, Robert Capa, James Natchwey dan lecciones visuales de ello por lo que no debo extenderme demasiado en este concepto.

La fotografía de calle o Street Photography es un ejercicio fantástico para practicar la realización de fotografías que cuenten una historia en situaciones caóticas. En este estilo de fotografía nos topamos con personajes y situaciones excelentes para fotografiar pero que invariablemente están rodeados de personas o en lugares con mucho entorno molesto. Ni hablar si estamos en un grupo de varios fotógrafos intentando fotografiar lo mismo… para mi una de las peores pesadillas que pueda imaginar -de la soledad en el momento de la creación hablaré en otra nota pero puedo adelantar desde ya que no existe proceso creativo puro en un ambiente de camaradería o sociabilización. El impulso creativo requiere de un máximo de meditación y de un mínimo de exceso de distracción.

Volviendo al ejemplo de la fotografía de calle, supongamos que damos con un rostro o personaje interesante, lo ideal es prescindir de teleobjetivos y entablar diálogo con nuestro posible modelo ocasional -al acercarnos observaremos mas en detalle rasgos que pueden ser interesantes destacar.
Lo mejor es llevar la cámara al costado y no acercarse apuntando porque debemos solicitar permiso para realizar la foto y no invadir a nadie. Pero el permiso se pide luego de un breve diálogo en el cuál notaremos si la persona podría estar interesada en ser retratada o no.

Cuando logramos la autorización para la foto necesitamos que el modelo no asuma poses porque allí es donde desaparece la espontaneidad. Las personas ante una cámara suelen adoptar rictus o posiciones poco interesantes y que nada dicen de si mismas, o sea, perdemos en el posado lo que nos llamó la atención del modelo elegido.

Lo mejor es tener los ajustes de cámara ya realizados antes de acercarnos y pedirle a la persona que no pose, explicarle que solo estamos midiendo la luz cuando apuntamos la cámara. De esta manera nuestro modelo no pierde espontaneidad cuando en realidad estamos realizando las fotos que servirán, los disparos que vienen después, los que nos muestran a nuestro modelo posando no sirven de nada. Esos ya no reflejan nada real de la persona, son apenas una máscara, una simple pose.

Si el fondo de nuestro modelo es confuso, debemos movernos nosotros hasta encontrar uno de mas fácil lectura o incluso disparar con la cámara desde abajo para utilizar el cielo como fondo natural o al menos eliminar la gente y los vehículos que pueden cruzar detrás. A veces disparo directamente con la cámara en la mano desde la cintura apuntando hacia arriba sin mirar por el ocular. Para esto debe conocerse el punto “dulce” del objetivo utilizado y elegir muy bien el diafragma para evitar desenfoques. Demás está decir que un 50 mm es ideal para el retrato de calle o incluso, y contra lo que pueda pensarse, un gran angular da excelentes resultados en retratos con carácter por el dramatismo que produce la deformación propia de esa gama focal. El primero incluso nos da la posibilidad de lograr excelentes desenfoques (boketh) dada su luminosidad y gracias a ello además podremos trabajar con luz natural sin exagerar mucho el ISO, suponiendo que ya es de tarde o el día está nublado (ambas situaciones son las mejores a nivel lumínico).

Y ya que hablamos de nivel lumínico… NUNCA usen flash para realizar retratos de calle. Traten que el brillo en los ojos dependa de reflejos naturales del ambiente, de alguna luminaria del lugar o alguna pared clara, nunca de la luz dura de un flash.

Recuerden que en fotografía, al contrario que en pintura, debemos quitar elementos para lograr la atención sobre lo que queremos. La manera de quitarlos es cerrando el encuadre, desenfocando, seleccionando el mejor fondo, eligiendo el ángulo de toma, utilizando luces y sombras… que hacer en cada situación es algo que con la práctica dominaremos sin pensarlo siquiera.

La foto que acompaña esta nota fué realizada con luz natural. Las niñas están en el marco de la puerta y la luz que las ilumina es el reflejo del asfalto al mediodía. Detrás de la niña mayor había una ventana que cubrí con su propio rostro -aunque se nota un pequeño halo. El fondo oscuro -la pared de la casa- está totalmente subexpuesto porque solo tuve en cuenta las altas luces al medir la luz.

El autor de esta nota además de dedicarse al Retrato, Desnudo Artístico y fotografía publicitaria, dicta cursos sobre distintos aspectos relacionados al arte fotográfico y escribe artículos en revistas y sitios web especializados.

El fotoperiodismo ha muerto, viva el fotoperiodismo!!

Que hace un señor que se dedica al Desnudo Artístico hablando de fotoperiodismo se preguntará el lector?… Pregunta bastante lógica para el que no sabe de mis inicios en esto que es plasmar en una pequeña cuadrícula, la parte mas interesante y sintética de ese gran cuadriculado que se llama vida. Claro que para que ese pequeño cuadradito –la foto- tenga valor para el espectador hay que saber cual tomar de entre todos, como encuadrar y descartar lo superfluo, recuerden mi frase favorita, “menos es mas” si se trata de fotografía.

De captar ese “rectángulo”, ese instante preciso,  sabían bastante los grandes maestros del fotoperiodismo gráfico y en particular los que a mi más me interesan, los fotoperiodistas de guerra. Ellos dieron en muchos casos su propia sangre para darles al mundo una versión real de la vida que no suele ser tan cómoda como la de los que solo nos quejamos por el aumento de la luz, estoy hablando de aquellos que no tienen luz, ni agua, ni comida… la gente que debe escapar de su propia gente porque ahora las guerras no son entre países sino entre hermanos.

El título habla de una verdad irrefutable, la muerte del fotoperiodismo y la razón es bien sencilla: Qué anunciante de la marca de perfumes o anteojos de moda quiere ver en la contrapágina una foto de un bebé siendo pasado entre alambrados  de púa a las tres de la mañana entre la frontera de Serbia y Hungría?!.., gente escapando de su propia gente para evitar ser asesinados… El fotógrafo Warren Richardson que ganó el World Press Photo del 2016 nos cuenta:

“Estuve 4 ó 5 días y noches en la frontera, pero este momento fue muy rápido: los refugiados venían y venían y no me di cuenta de que lo que estaban pasando a través de la valla era un bebé”.
Richardson, que trabaja como freelance, comentó que la foto nunca fue publicada.
En la imagen, la luna ilumina tanto la cara del hombre que toma al bebé en sus manos como el cuerpo del niño. El hombre está a un lado de la frontera medio agachado, con cara de agotamiento. Al otro lado de la frontera, unos brazos sujetan a la criatura y la pasan a través de un agujero hecho en el alambre de espino. Fue realizada con luz natural –la luna- a ISO muy elevado de ahí el grano ya que el uso del flash hubiera significado poner en evidencia a los refugiados ante la policía de frontera de ambos países que los perseguían.

Ya ven, la foto “nunca fue” publicada a pesar de la gente que arriesga su vida para mostrarle al mundo lo que ocurre fuera de la comodidad de sus hogares y nunca fue publicada sencillamente porque las revistas viven de los anunciantes y ya comenté que para ellos la realidad “no es negocio”.
Hoy los medios publican las fotografías de paupérrima calidad obtenida por los celulares de algún testigo del suceso en cuestión y esto es una aberración porque se le priva al lector-espectador de una visión clara y concisa de la situación real mostrada.  Ninguna foto tomada con un celular, por un testigo eventual conlleva la carga visual de la más modesta fotografía de Robert Capa, o de Cartier Bresson.  Del primero es la famosa frase “Si tu foto no es lo suficientemente buena es que no te has acercado lo suficiente”, y tanto que se acercaba Capa a los eventos que fotografiaba que fue el único fotógrafo que desembarcó con los soldados en Normandía en el famoso Día D, en la Segunda Guerra Mundial… Y falleció a la edad de cuarenta años en Thai Binh, Indochina,  por pisar una mina antipersonal… Iba caminando al frente de una tropa con el objetivo de no perder la “instantánea”… perdió su vida y aún así con el cuerpo desgarrado, a metros del hueco dejado por la explosión, sostenía firmemente una Leica en su mano izquierda. Algunos lectores podrán decir que en realidad tenía una Contax, como la que utilizó en el desembarco de Omaha Beach pero como sea… ambas eran cámaras telemétricas de objetivo fijo… pero que importa la cámara en esta nota? … Verán, hace unos días me enteré por una persona muy querida que está a punto de cursar la carrera de fotoperiodismo que en la admisión a la misma, la rectora del instituto de enseñanza hizo este poco feliz comentario: “ ..Tengan en cuenta que para hacer esta carrera deberán invertir mucho en objetivos de distintas focales …”

Es evidente que la buena señora desconoce toda la obra del nombrado Robert Capa, de Henry Cartier Bressson, de Doisneau, de William Klein, de Elliott Erwitt, del propio Seabastiao Salgado en sus inicios… Todos ellos usaron cámaras de focal fija, Leica y Contax, telemétricas de 35 mm. NADIE tiene tiempo en un conflicto bélico de andar cambiando objetivos y mucho menos de cargar con ellos… ni siquiera en alguna marcha local hay tiempo para eso. La fotografía de prensa es estar en el momento justo y captarlo de la mejor manera posible, lograr que una sola imagen cuente la historia completa y eso lo sabían de memoria los fotógrafos nombrados y tantísimos mas.

La gente se dio cuenta del horror de la Guerra de Vietnam por una única foto: la de la niña vietnamita corriendo desnuda hacia cámara quemándose por el napalm. Esa única toma sirvió para que el mundo tomara conciencia de lo que verdaderamente estaba sucediendo y fue la última vez que una foto sirvió para detener un conflicto armado. Podría nombrar aquí la famosa foto de la mujer afgana de Steve McCurry que muestra toda la desolación, solo en la mirada y que para mi es mas hermosa que la Mona Lisa pero no quiero hacer apreciaciones personales que tienten al debate inocuo y sinsentido.

Hoy sigue habiendo fotógrafos que arriesgan la vida para intentar cambiar algo pero no logran publicar las fotos en ninguna revista y solo se difunde su trabajo a través de libros y exposiciones, lo cual evidentemente no llega a todo el mundo como el “Bailando…” de Tinelli.  Tal el caso del fotógrafo estadounidense James Nachtwey que sigue cubriendo las zonas de conflicto pero no logra vender sus fotos, porque la verdad no vende, lo que vende es el márketing y sabemos que suele ser sinónimo de mentira.

Página oficial del World Press Photo