Archivos diarios: 12 noviembre, 2014

Contra la censura en facebook (y en todos lados)

Ultimamente denunciar desnudo artístico en facebook se volvió casi un juego para muchos que evidentemente no tienen demasiado que hacer con sus vidas. El mayor problema no son las denuncias en sí sinó la ligereza con que se cancela una cuenta o se bloquea sin aviso previo de ningún tipo y sin mirar siquiera si el motivo de la denuncia es válido o no.

El desnudo artístico es simplemente eso “arte”, aprendan a diferenciar de la pornografía y al que no le guste ver cuadros o fotos con desnudos hay muchísimo contenido en internet para ver… y en televisión donde Tinelli acaba de ser declarado “Personalidad destacada de la Cultura de Buenos Aires”…

El retrato creativo

Se entiende por retrato creativo aquel que logra transmitirnos, además de los rasgos fisonómicos del retratado, su personalidad y estado de ánimo, un intento de definición podría ser este: “Es el que reúne una serie de iniciativas artísticas en torno a la idea de mostrar no sólo las cualidades fisonómicas, sino más bien el carácter o estado anímico de la persona retratada.”

Es fundamental, por lo expresado, conocer algunos aspectos de la persona que está ante nuestro objetivo si queremos lograr una fotografía expresiva y no solamente una simple instantánea,  si la persona es conocida  mucho mejor porque ya sabemos cuál es su carácter y podemos enfatizar el mismo con el uso de la luz. Por ejemplo, si vamos a fotografiar a una persona de fuerte personalidad es conveniente usar una luz acorde, es decir, no demasiado suavizada para resaltar el rostro, creando algunas sombras y colocando la cámara un poco abajo del plano de los ojos dando mayor importancia y énfasis mediante el simple cambio de perspectiva al modelo.

Si por el contrario estamos frente a una persona de carácter delicado es mejor utilizar una luz acorde y la cámara a la altura de los ojos enfatizando los mismos.
En este punto cabe recordar que el centro de interés de todo buen retrato siempre se encuentra en los ojos, estos son los que expresan el estado de ánimo de la persona mucho más que una mueca o sonrisa. Los ojos no mienten, el foco siempre debe estar clavado en ellos y se hace indispensable resaltarlos con algún brillo utilizando un flash a mínima potencia. Esto es válido también para fotos en exteriores. Un excelente retrato con los ojos apagados, en verdad no tiene nada de excelente… no se si me entienden.

Nunca debe usarse para retratos un flash directo, como no sea a mínima potencia y en exteriores por lo dicho anteriormente con respecto a resaltar el brillo de los ojos ya que este tipo de luz aplana la imagen.

Por el contrario, conviene una luz principal lateral para darle mayor relieve al rostro y sobre todo si queremos resaltar arrugas en una persona mayor. Si no contamos con un flash extra, una buena opción es utilizar como fuente de luz principal, la que entre por una ventana, acercando a la persona a la misma y suavizándola sencillamente cerrando las cortinas, obviamente dando por supuesto que las mismas sean blancas.

Un método poco conocido y que particularmente uso con mucho éxito para suavizar la imagen y darle un aire de ensoñación es empañar el objetivo con mi propio aliento y disparar varias tomas hasta que el mismo se evapore… (si quieren conocer otros trucos excelentes y que no están en los libros recuerden que está abierta la inscripción al Taller de Retrato Creativo…).

Dónde ubiquemos la cámara es otro punto fundamental que nos permite mostrar fortaleza o desolación. No es lo mismo por ejemplo, fotografiar a una persona con la cámara al nivel de los ojos que desde abajo hacia arriba (enfatizándola) o desde arriba hacia abajo (minimizándola, creando cierta sensación de encierro y soledad). La posición de la cámara como podemos ver, es fundamental y cambia completamente el resultado y sentimiento de la imagen final.

Lograr un retrato natural es muy simple y mi técnica es decirle a la persona que baje la mirada o mire a un costado y sólo mire a cámara a mi requerimiento, logramos una expresión mucho más natural y fresca que si la tenemos posando mientras hacemos los ajustes de foco y encuadramos correctamente. También debemos tener en cuenta el fondo, cerremos el plano lo más posible y si la cámara es una compacta sencilla y no permite hacer desenfoques, fijémonos bien que en el fondo no aparezcan demasiados puntos de distracción. Un buen retrato debe ser simple y armonioso, preferentemente sobre un fondo neutro (blanco, gris, negro). Si los ojos tienen fuerza y son claros podemos cerrar mas el cuadro y enfatizarlos ganando impacto visual.

Un pintor empieza sin nada y va añadiendo elementos hasta que consigue la imagen perfecta. Un fotógrafoempieza con todo y va quitando cosas hasta que obtiene la imagen perfecta.
Esto se llama síntesis fotográfica y me da pie a unas de mis frases favoritas, frases que mis alumnos ya conocen de memoria:
“En fotografía, menos es siempre más…”

 

Nota que me realizó la revista española “El Angel Caído” en el año 2010

Desde tu infancia amas la fotografía, ¿cuáles fueron los aspectos de la fotografía que más te llamaron la atención y cómo continúas hoy en día con este arte?

Me llamó siempre la atención el poder de síntesis que se puede obtener mediante la fotografía. Al contrario de lo que sucede en el cine en donde la historia transcurre a lo largo de varios planos-secuencia, con una sola imagen puedo decir todo y ese todo en realidad es tan amplio como la cantidad de interpretaciones le dé el espectador a la foto. Una misma foto puede transmitir nostalgia, alegría o tristeza según el estado de ánimo del espectador o generarle esas sensaciones en forma directa. Ahí radica el arte, en ese disparador de emociones que algunos llaman obturador.

Hoy, luego de transitar un largo camino fotográficamente hablando, me siguen emocionando las imágenes y tal vez mucho más que antes porque gracias a medios como Internet tengo acceso y contacto con artistas de primer nivel que desconocía. También gracias a la tecnología puedo dar a conocer mi trabajo ya que a una exposición pueden venir mil o dos mil personas pero en Internet te ven muchos más. Extrañamente recién empecé a sentir la necesidad de mostrar mi obra, hace relativamente muy poco tiempo, es como que mi autoexigencia no me permitía mostrarme antes a pesar de las veces que me invitaron a exponer, hoy es una necesidad ver mi obra colgada.

¿Cómo definirías las etapas en tu quehacer fotográfico?

Son tres, admiración, aprendizaje y búsqueda permanente. Si la última etapa no existiera ya me habría aburrido y seguramente me dedicaría a la otra cosa. A los seis o siete años devoraba las imágenes de revistas como National Geographics que llegaban a mis manos, en inglés por lo que evidentemente yo sólo buscaba maravillarme con las fotos. Aproximadamente, a partir de los once años empezó mi auto-aprendizaje guiado por revistas y fabricando yo mismo mi ampliadora para positivar en el baño de casa con el consiguiente reclamo natural de toda mi familia. A los 20 años, cuando salí del servicio militar, tuve mi negocio de fotografíaque fundí al poco tiempo ya que mi aspiración era retratar gente, había montado un estudio muy completo para la época y la zona (Presidente Derqui, Pdo. de Pilar) pero me la pasaba haciendo sociales y fotos carnets y lo que ganaba lo invertía en cámaras y lentes en lugar de mercadería. Esta etapa me condicionó un poco para retratar personas ya que llegué a una saturación tal, que de ahí en adelante en ninguna de mis fotos vas a ver una sola persona, además dejé de hacer fotos por más de diez años también por este tema (creo yo).

Y hoy como ya te comentaba ando en la búsqueda de un estilo que me defina, me siento cómodo en todos y me da miedo eso de “el que mucho abarca…”, porque ¡yo quiero apretar realmente fuerte!… Hace unos seis años atrás vos visitabas una muestra mía y veías que el 80 % de los trabajos eran macrofotografía o bodegones… cuatro años atrás el mismo porcentaje de naturaleza y fauna, desde hace un par de años vas a ver ese porcentaje dedicado al retrato y al desnudo artístico… Ese veinte por ciento restante me lo guardé y guardo siempre para la fotografía de arquitectura, principalmente casas o edificios antiguos que por lamentable lógica van a desaparecer.

¿Cuál género de la fotografía te atrae más y por qué?

Siempre me atrajo muchísimo el paisaje y la naturaleza. En algún momento fui miembro de grupos que sólo fotografiaban naturaleza pero me di cuenta de que no era lo mío ya que la belleza se encuentra en todos lados y muchas veces sin necesidad de salir de casa, incluso mi jardín me dio motivos para hacer algunas fotos que aún a la distancia veo y sigo valorando. Hice mucha macrofotografía en el fondo de casa… Pero hoy me atrae mucho más el retrato que me parece un estilo fotográfico mucho más comprometido… Es decir, si antes buscaba la belleza en la naturaleza y en las cosas hoy la busco en las miradas, expresiones y cuerpos. Un buen desnudo artístico no deja de ser una fotografía de naturaleza… humana.

¿Toma directa o fotomontaje?

Sin duda alguna toma directa. Entiendo que hay artistas que logran expresarse mediante el fotomontaje de una manera eficiente. Pongo como ejemplo al maestro Juan Carlos Villarreal que ya dominaba esta técnica en los años setenta y en el cuarto oscuro obviamente.

Es inadmisible emplearlo en periodismo o naturaleza pero en fotografíaartística, si sirve como medio expresivo, bien. Yo personalmente no lo hago, prefiero la toma directa y reconozco que por ahí veo fotos que me llaman poderosamente la atención pero en donde el fotomontaje es exagerado… ni me gasto en mirar esos trabajos que se alejan según yo de la fotografía para adentrarse en otras artes plásticas.

¿Cómo te relacionas con el arte de la pintura a través de la imagenfotográfica?

A veces trato de recrear alguna situación lumínica que tengo en la memoria por haberla visto en un cuadro, renacentista principalmente. El tan de moda HDR me parece a mi da unos resultados fotográficos muy renacentistas; la pena es el abuso de esta técnica cuando se la aplica absolutamente a todo y no sólo a la foto que la necesita.

Fotografía y pintura van de la mano en principio porque mediante ambos se pretende contar una historia basada en emociones de un solo golpe, en una sola imagen, sin ayuda del sonido ni nada artificial. Una buena foto y un buen cuadro luchan con el espectador de la misma manera, casi con las mismas armas, una que se llama sensibilidad.

Hoy casi están fuera de discusión las controversias acerca de la imagen digital y la analógica pero… ¿Cuál de las dos te simpatiza más?

Como bien decís, yo creo que a esta altura ya debemos dejar de hablar defotografía digital o analógica. Muchos fabricantes se están retirando de lo analógico e invierten su esfuerzo y dinero en tecnología digital. ¿Cómo llamaremos a la fotografía cuando ya no existan rollos ni cámaras analógicas?… Simplemente fotografía, que en definitiva es lo que es, sería bueno dejar de hacer distinciones desde ahora.

Me simpatizan mucho más las cámaras digitales simplemente porque ya no debo esperar tanto para ver las fotos en primer lugar y, en segundo lugar, por la capacidad de cambiar de sensibilidad sólo apretando un botón.

Antes debía colocar la película adecuada para cada situación y a veces podía perder una toma, hoy y no.

La calidad de los equipos digitales réflex ya está fuera de discusión y la curva de aprendizaje para los que se inician es muchísimo más rápida. Igual soy un fetichista con las cámaras y tengo Canon y Nikon F5 analógicas con un par de rollitos guardados.

¿Cuál es tu reflexión sobre los medios y los soportes audiovisuales hoy en día?

Hummm, creo que ya es hora de ir estandarizando la cosa ya que hay tantos formatos que se corre el riesgo de dejarnos un CD olvidado por ahí y dentro de pocos años no encontrar en que dispositivo leerlo. Betamax, VHS, CD, Mini-DV, VCD, DVD, Blue-Ray, Compact Flash, SD, SDHC … vamos, la carrera mete un poco de miedo no?…

No reniego en lo absoluto de los medios y soportes audiovisuales en cuanto a la capacidad de contener y compartir información de manera sencilla sólo digo que habría que normalizarlos.

¿Cuáles fueron para vos los maestros de la fotografía actual?

Uff, esta es la más difícil de contestar porque son muchos y muy distintos entre sí, puedo nombrar algunos: Gregory Colbert, Andrzej Dragan, Jim Brandenburg, Franz Lanting, Isabel Muñoz, JeanLoup Sieff, Helmut Newton…

¿A cuáles fotógrafos consideras tus maestros?

Todos lo que ponen pasión en su trabajo tienen algo que enseñar pero al que siempre consideré mi maestro fue a Pedro Luis Raota. Recuerdo como si fuera hoy -yo tendría once años- haber estado en su casa-atelier de Belgrano de la mano de mi padre mirando sus obras y pensando… yo quiero hacer lo que hace este señor!

Otros referentes ineludibles son Henry Cartier Bresson y Ansel Adams por supuesto.

Por último, una reflexión, un pensamiento sobre el arte fotográfico en general.

La fotografía es un arte como cualquier otro pero que por su condición de poder reproducir tantos originales como se quiera, no se lo consideraba hasta hace unos años. Está en cada autor no bastardear su obra y los que venden hoy en día a coleccionistas suelen hacerlo mediante copias numeradas que no superan las cinco. Que la cosa está cambiando no hay duda si tenemos en cuenta que el año pasado se vendió una foto en USD 1.000.000 pero mientras las galerías o museos no incorporen la fotografíaen sus colecciones permanentes queda algún camino por recorrer. De todas formas yo siempre digo que si alguien considera que la fotografía no es arte, lo siento por el arte…