Archivos Mensuales: julio 2015

Ellen von Unwerth, erotismo y publicidad

Ellen von Unwerth (Fráncfort del Meno, 1954) es una fotógrafa y directora alemana, especializada en erotismo femenino. Trabajó como modelo durante diez años antes de dedicarse a la fotografía de moda, publicitaria y editorial.

Su trabajo ha sido publicado en las principales revistas, tales como Vogue, Vanity Fair, Interview, The Face, Arena, Twill, L’Uomo Vogue y I-D, y también ha publicado varios libros de fotografía. Ganó el primer premio en el Festival Internacional de Fotografía de Moda en 1991.

Realizó fotografía promocional para Duran Duran entre los años 1994 y 1997, e hizo algunas fotografías para su álbum de 1990 Libertad y su álbum de 1997 Medazzaland. Su trabajo aparece en otras portadas de discos: Pop Life de Bananarama (1991), Am I the Kinda Girl? de Cathy Dennis (1996), The Velvet Rope de Janet Jackson (1997), Saints & Sinners de All Saints (2000), Life for Rent de Dido (2003), Blackout de Britney Spears (2007), Back To Basics (2006) y Keeps Gettin’ Better: A Decade of Hits (2008) de Christina Aguilera y Rated R y Talk That Talk de Rihanna.

También ha dirigido cortometrajes para diseñadores de moda, vídeos musicales para artistas de música pop, anuncios publicitarios y películas web para marcas como Revlon, Clinique o Equinox.

Fuente: Wikipedia

 

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Me inspiran las mujeres y su universo fascinante…

Es realmente muy difícil hacer entender a alguien que se puede ser fiel y al mismo tiempo enamorarte perdidamente cada vez que oprimes el obturador, pero para dedicarte a este tipo de fotografía no se puede ser mujeriego, te acabarías concentrando mucho en la mujer y dejando de lado la búsqueda de la perfección.

JeanLoup Sieff, Helmutt Newton, Herb Ritts, David Hamilton y algunos mas son mi inpiración fotográfica junto a las mujeres y su universo fascinante.

Mi meta actual en la vida además de ser feliz como se pueda, pasa por conservar la salud y poder vivir haciendo lo que me gusta, evitando  a toda costa a la gente que carece de visión y creatividad,  los esclavos de lo ordinario.

Me gustaría poder creer que el amor es para siempre y vivir en un lugar donde la salvación y el deseo se buscan con igual desesperación pero a esta altura ya descreo de algunas cuestiones aunque sigo creyendo en otras con mas fuerza que antes. Estamos acá en un mundo imperfecto y muchas veces terrible, si podemos hacer algo desde el arte para cambiarlo o para cambiarnos a nosotros mismos es bueno que lo hagamos, nadie, absolutamente nadie lo hará por nosotros.

Alessandro Bergamini, rostro y alma en color

Hace muy poco di con la obra de este fotógrafo italiano del que no encontré mayor data salvo que publica en 500px y me impactó muy agradablemente el estilo -emparentado sin duda con el maestro Steve McCurry pero con vuelo propio.

Trabaja generalmente con diafragmas muy abiertos y siempre con luz natural según lo que pude ver en internet … Lo comparto porque sus retratos son dignos de apreciar y como prueba de que no es necesario un gran equipo para crear auténticas obras de arte (utiliza una Canon 5D Mark II y a veces una 7D).

 

Reportaje Duane Michals Vs. la fotografía actual.

Duane Michals (n. 18 de febrero de 1932) es un fotógrafo estadounidense. Su obra fotográfica destacó en los años setenta por sus secuencias y la incorporación de textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica. (Wikipedia)

Podrán ver mas info y fotos si googlean el nombre, pero la razón de ser de este post es la publicación de parte de un reportaje con el que estoy totalmente de acuerdo ya que dice algunas verdades incómodas pero verdades al fin.

Me gustaría mirar el mundo de la fotografía contemporánea y su mercado a través de sus ojos.

Cuando me convertí en fotógrafo, en los años sesenta, la fotografía era muy conservadora: podías ser Ansel Adams o Cartier-Bresson, las posibilidades eran verdaderamente limitadas. La fotografía esperaba todavía el reconocimiento, necesitaba ser considerada arte. Así, desafortunadamente, perdía su propia virginidad del peor modo posible: intentando imitar la pintura y tomando de ella, de hecho, los peores vicios. Por ejemplo, para que una fotografía sea reconocida como arte ya no nos tenemos que preocupar por sus contenidos, sino por sus dimensiones. Precisamente como ocurre con la pintura: piensa que Paul Klee durante años fue considerado un artista menor porque trabajaba con formatos pequeños. ¿Te das cuenta? Para que te tomen en serio tienes que hacer cuadros grandes.

¿Me puede poner un ejemplo?
Andreas Gursky, que en este momento es el más “hot”, el más famoso, el más nuevo, en realidad es el fotógrafo más aburrido del mundo. Fotografía el interior de los supermercados, los campos de fútbol, las recepciones de los hoteles; parecen fotos de un informe anual de una empresa cualquiera, pero son enormes, por lo menos tres metros por no sé cuánto. Si redujeras las fotos de Gursky a un tiraje de 24 x 30 centímetros, podrías ver lo que realmente es: ¡aburrido! Por lo tanto es una cuestión de medidas. Además, hoy en día tienes que fotografiar en color. Y luego, la otra cualidad fundamental, es declarar que no eres fotógrafo, sino “fotógrafo guión artista”.

Porque si eres sólo fotógrafo, tus trabajos valen 5.000 dólares, pero si eres “fotógrafo guión artista”, o sea un artista que utiliza la fotografía, entonces tus fotos valen 70.000 dólares.

En realidad Gursky ni siquiera es de los más aburridos.
¡Ah! Es verdad, Tillmans es todavía más aburrido: retratos de gente de pie, mirándote. Pero pretende ser vanguardia, cuando en realidad sólo es “retaguardia”. No hay nada original y esos retratos no tienen nada que ver con la interioridad de la persona. Creo que esta evolución es una tragedia, a nadie le importa ya el contenido. Y si tiene que haber un contenido, lo importante es que sea chocante; éste es el otro filón. Gente como Andrés Serrano o Witkin…, decapitaciones “a go go”. O toda la escuela inglesa concentrada en el shock como Damien Hirst o esa mujer que se fotografía en la cama mientras practica el sexo. El shock es el último refugio del escándalo. La gente que no tiene ideas confía en el shock. ¡Es una lástima!

Cuando pienso en el mercado de la fotografía me viene a la mente esta frase suya: “No intentes nunca ser artista. Sencillamente haz tu trabajo y si tu trabajo es auténtico se convertirá en arte”.

Yo amo a Balthus. él tenía un gran desprecio por aquellos a los que llamaba “los diplomados de las escuelas de arte”, supongo que, ante todo, porque la idea de que puedas ir a una escuela de arte y aprender a convertirte en un artista es ridícula. Puedes entender que un médico o un dentista vayan a la escuela para aprender su oficio, pero no un artista. Sin embargo, ahora son esos estudiantes quienes dictan las reglas, quienes definen qué es el arte; de hecho esos famosos artistas de hoy son diplomados de las escuelas. Pero la escuela transforma al artista en alguien que crea para el mercado. Piensa que, incluso, a la obra la llaman “producto”; eso lo dice todo. Me cuentan que muchas galerías van a esas escuelas a descubrir quién será “hot”, quién será la próxima cara del mercado.

(…) Pero, para mí, la cuestión sigue siendo que tienes que tener algo que expresar, y si esa necesidad que tienes es grande, incluso sin una licenciatura, encontrarás el modo de expresarte a través de una fotografía. ¿Conoces el libro El zen y el tiro con el arco? En él se explica claramente: lo que cuenta no es intentar dar en el blanco, sino lo que haces para perfeccionar tu forma y si tu forma alcanza la perfección, entonces darás en el blanco. Así, los que piensan sólo en dar en el blanco (y su blanco es convertirse en artistas) en realidad no tienen tiempo para perfeccionar su forma, actúan en función del blanco. Y, la mayoría de las veces, el resultado es lo que se ve hoy, un producto blando, sin mundo interior, que carece de pasión; como si hubiera sido producido por una máquina. Y además ocurre que, si tienes éxito, has de seguir produciéndolo una y otra vez. Por ejemplo Cindy Sherman sigue haciendo autorretratos porque es lo que vende. Luego ha intentado acercarse a otros temas como las fotos de vómito y las de sexo, pero los retratos venden más.

Lee Jeffries, homeless


L
ee Jeffries (Manchester 1971) trabajaba como contable y se dedicaba a la fotografía como pasatiempo.

Aunque durante años se dedicó a fotografiar eventos deportivos, en 2008 visitó Londres para correr un maratón y caminando por la ciudad el día antes de la carrera vio a una joven sin hogar que estaba sentada en la entrada de una tienda en Leicester Square, y le sacó desde lejos una foto, pero la chica se dio cuenta y le increpó. Él podía escaparse, pero se acercó y habló con ella, lo que iba a cambiar su trabajo para siempre.

Su percepción acerca de las personas sin hogar cambió por completo y durante más de 3 años viajó de ciudad en ciudad en busca de gente sin hogar retratándolos y logrando imágenes sorprendentes y llenas de vida, pisando desde callejones en Los Ángeles hasta las partes más oscuras y sucias de ciudades de Francia e Italia, y, a veces, ha tenido que lidiar con situaciones peligrosas.

Los retratos de Jeffries son mayormente en blanco y negro, y sin iluminación artificial.

El nos cuenta:

“No le tomo fotografías a todas las personas sin hogar que encuentro. Tengo que ver algo en sus ojos. A menos que sienta que se puede sentir alguna emoción de la persona, la fotografía sencillamente, no funcionará. He tomado cientos de fotografías de personas que, honestamente, no funcionaban.”

 

Paisajes de Argentina I (copias en alta calidad)

Todas las copias son impresas sobre papel fotográfico de alta calidad, lo que garantiza una gran fidelidad cromática respecto a la obra original. Algunas imágenes seleccionadas se ofrecen en ediciones limitadas a un número máximo de 30 copias por obra, mientras que otras se ofrecen en ediciones más extensas.

Son un atractivo regalo para un amante de la fotografía, la naturaleza o los viajes y un valor para un coleccionista de arte. Los fines de semana pueden encontrar estas obras y muchísimas mas en Recoleta, frente al museo de ciencia.

Disponibles en tamaños desde 15×25 a 50×70 (copia sola o enmarcada) Consultas por mail a belfioreph@gmail.com

Los retratos de Brian Ingram

Descubrí la obra de este fotógrafo hace muy poco y no hay demasiada información en la web solo que trabaja en Georgia (EEUU) donde se dedica de lleno a la fotografía de retrato.

Desde retratos editoriales bien resueltos a trabajos más elaborados, que le han llevado a aproximar a la moda y la fotografía comercial, llegando a publicar en Vogue Italia, entre otros medios.

Trabaja esencialmente en estudio, generalmente con una sola fuente de luz tanto en blanco y negro como en color, pero siempre con elevado contraste. Y como se puede apreciar en su galería, los resultados son magníficos.