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Apuntes sobre Arte Fotográfico II

En la anterior  nota destacaba estos tres puntos:

No hagamos fotos para agradar a nadie, hagámosla para que nos guste en primera instancia a nosotros mismos ya que si no logramos eso de poco sirven los halagos que cosechemos. No sigamos ninguna moda fotográfica ya que si lo hacemos lo más probable es que nuestras imágenes pasen de moda tan rápido como la propia moda.

Aprendamos todo lo que podamos sobre fotografía pero no olvidemos lo fundamental que es “descubrir la imagen” saber mirar el entorno cotidiano sin ataduras ni autocensura, sin límites.

No vivamos  obsesionados por los histogramas, los objetivos, las tablitas de hiperfocales, la edición… el exceso de técnica mata la espontaneidad.  Es preferible una foto movida que nos transmita algo a una perfectamente iluminada que no diga nada. Como ejemplo de lo que digo observen la foto ganadora del  Worldpress Photo 2016 y verán a lo que me refiero.

Pues bien, en esto último se centrará la primera parte de este artículo, en aprender a “ver” la fotografía mediante técnicas muy sencillas que permitirán que el espectador se concentre en lo verdaderamente relevante.

Cuando culminaban mis Talleres de fotografía Creativa solía poner en una pequeña mesa de trabajo una botella de vino y le pedía a mis alumnos que lo fotografiaran dándoles la libertad de iluminar como quisieran y por supuesto de elegir el encuadre (libertad absoluta=creatividad absoluta).  Por supuesto algunos me miraban raro y pensaban “¿como puedo hacer de un envase de vidrio algo visualmente agradable?”… Les aseguro que se puede y mediante este sencillo ejercicio me daba cuenta quién había entendido lo explicado y quién no, o directamente: quién tenía creatividad y quién no la tenía –con la creatividad se nace pero si se tiene verdadera pasión, la mirada creativa puede educarse perfectamente.

Había quienes fotografiaban la botella de frente y con una luz común sin tener en cuenta los reflejos generados por el vidrio pero también estaban los que ponían la cámara en ángulos picados o contrapicados y movían las lámparas para crear contraluces o sombras duras y dramáticas que duplicaban el tamaño de la botella, convirtiéndose la sombra misma en la protagonista de la toma. Se van dando cuenta lo que pretendía con este ejercicio?… Por un lado fijar en mis alumnos la idea de que cualquier objeto sirve para realizar una buena foto si se sabe como “mirarlo-fotografiarlo” y por otro medir el grado de aprendizaje y creatividad de cada uno. Por fortuna el ochenta por ciento demostraba esa creatividad sobre la que habíamos estado trabajando en las clases anteriores.

Para mi hasta una vieja pared descascarada puede convertirse en una obra artística si la iluminamos correctamente, si quitamos del encuadre todo lo que no aporte nada a la toma.
Si fotografiamos un artesano, pintor o escultor, seguramente el entorno aportará carácter a la fotografía ya que al situarlo en su ámbito de trabajo le estamos comunicando al espectador, a que se dedica el retratado… Si cerramos el plano a solo un retrato del rostro, podemos lograr una foto magnífica pero sin comunicar ese “algo mas” que se requiere en el “reportaje fotográfico”.

Muchas veces, por el contrario, los entornos son molestos porque no solo no aportan nada a la personalidad del retratado sino que hacen que la lectura de la fotografía se complique visualmente. Autos que pasan, gente caminando, cables, reflejos … Todo eso genera un peso visual que compite con el eje temático y el espectador tarda bastante en discernir que es lo que en realidad quiso comunicar el fotógrafo. A veces lo que se quiere comunicar es simplemente el caos, como suele ocurrir en fotografía de guerra o reportaje, pero incluso en este caos los buenos fotógrafos fijan un punto de interés desde el cuál es mostrado todo lo caótico de la escena. Steve McCurry, Robert Capa, James Natchwey dan lecciones visuales de ello por lo que no debo extenderme demasiado en este concepto.

La fotografía de calle o Street Photography es un ejercicio fantástico para practicar la realización de fotografías que cuenten una historia en situaciones caóticas. En este estilo de fotografía nos topamos con personajes y situaciones excelentes para fotografiar pero que invariablemente están rodeados de personas o en lugares con mucho entorno molesto. Ni hablar si estamos en un grupo de varios fotógrafos intentando fotografiar lo mismo… para mi una de las peores pesadillas que pueda imaginar -de la soledad en el momento de la creación hablaré en otra nota pero puedo adelantar desde ya que no existe proceso creativo puro en un ambiente de camaradería o sociabilización. El impulso creativo requiere de un máximo de meditación y de un mínimo de exceso de distracción.

Volviendo al ejemplo de la fotografía de calle, supongamos que damos con un rostro o personaje interesante, lo ideal es prescindir de teleobjetivos y entablar diálogo con nuestro posible modelo ocasional -al acercarnos observaremos mas en detalle rasgos que pueden ser interesantes destacar.
Lo mejor es llevar la cámara al costado y no acercarse apuntando porque debemos solicitar permiso para realizar la foto y no invadir a nadie. Pero el permiso se pide luego de un breve diálogo en el cuál notaremos si la persona podría estar interesada en ser retratada o no.

Cuando logramos la autorización para la foto necesitamos que el modelo no asuma poses porque allí es donde desaparece la espontaneidad. Las personas ante una cámara suelen adoptar rictus o posiciones poco interesantes y que nada dicen de si mismas, o sea, perdemos en el posado lo que nos llamó la atención del modelo elegido.

Lo mejor es tener los ajustes de cámara ya realizados antes de acercarnos y pedirle a la persona que no pose, explicarle que solo estamos midiendo la luz cuando apuntamos la cámara. De esta manera nuestro modelo no pierde espontaneidad cuando en realidad estamos realizando las fotos que servirán, los disparos que vienen después, los que nos muestran a nuestro modelo posando no sirven de nada. Esos ya no reflejan nada real de la persona, son apenas una máscara, una simple pose.

Si el fondo de nuestro modelo es confuso, debemos movernos nosotros hasta encontrar uno de mas fácil lectura o incluso disparar con la cámara desde abajo para utilizar el cielo como fondo natural o al menos eliminar la gente y los vehículos que pueden cruzar detrás. A veces disparo directamente con la cámara en la mano desde la cintura apuntando hacia arriba sin mirar por el ocular. Para esto debe conocerse el punto “dulce” del objetivo utilizado y elegir muy bien el diafragma para evitar desenfoques. Demás está decir que un 50 mm es ideal para el retrato de calle o incluso, y contra lo que pueda pensarse, un gran angular da excelentes resultados en retratos con carácter por el dramatismo que produce la deformación propia de esa gama focal. El primero incluso nos da la posibilidad de lograr excelentes desenfoques (boketh) dada su luminosidad y gracias a ello además podremos trabajar con luz natural sin exagerar mucho el ISO, suponiendo que ya es de tarde o el día está nublado (ambas situaciones son las mejores a nivel lumínico).

Y ya que hablamos de nivel lumínico… NUNCA usen flash para realizar retratos de calle. Traten que el brillo en los ojos dependa de reflejos naturales del ambiente, de alguna luminaria del lugar o alguna pared clara, nunca de la luz dura de un flash.

Recuerden que en fotografía, al contrario que en pintura, debemos quitar elementos para lograr la atención sobre lo que queremos. La manera de quitarlos es cerrando el encuadre, desenfocando, seleccionando el mejor fondo, eligiendo el ángulo de toma, utilizando luces y sombras… que hacer en cada situación es algo que con la práctica dominaremos sin pensarlo siquiera.

La foto que acompaña esta nota fué realizada con luz natural. Las niñas están en el marco de la puerta y la luz que las ilumina es el reflejo del asfalto al mediodía. Detrás de la niña mayor había una ventana que cubrí con su propio rostro -aunque se nota un pequeño halo. El fondo oscuro -la pared de la casa- está totalmente subexpuesto porque solo tuve en cuenta las altas luces al medir la luz.

El autor de esta nota además de dedicarse al Retrato, Desnudo Artístico y fotografía publicitaria, dicta cursos sobre distintos aspectos relacionados al arte fotográfico y escribe artículos en revistas y sitios web especializados.

El reencuadre, un error contundente -por Walter Belfiore

La posible definición de reencuadrar en fotografía puede postularse de la siguiente manera: reencuadre es la selección de una parte de la imagen para convertirla en un todo. Podemos decirlo de una manera distinta y mucho más realista: se trata de intentar conseguir que una foto mediocre o directamente mala, sea al menos salvable recortando todo el sobrante que distrae la atención y que no se tuvo en cuenta en el momento de oprimir el obturador. Ya comenté en una nota anterior que al momento de encuadrar la toma en una cámara con sensor digital, debemos proceder de la misma forma que lo haríamos con una cámara de película.  Miremos la imagen, definamos sus posibilidades de acuerdo a nuestro criterio creativo y obturemos recién cuando nos conforme lo que veamos por el ocular o en la pantalla LCD. Si no procedemos así y disparamos sin dedicar un mínimo de tiempo a la composición suponiendo que en definitiva con la computadora “todo se arregla”,  lo nuestro posiblemente no sea la fotografìa sinó el arte digital (sin menoscabo alguno por este arte)

Es evidente que podemos arreglar un horizonte caído y recortar parte del cielo o de la tierra y hasta aislar nuestro punto de interés de un entorno distractivo mediante el recorte, pero estaremos perdiendo píxeles al hacerlo. Esta pérdida tal vez no sea muy relevante si no pensamos ampliar la fotografía obtenida pero puede ser crucial si pensamos hacerlo. Por ejemplo, supongamos que disparamos con una cámara de doce megapixeles y nos damos cuenta que lo único que nos interesa de la imagen es el nido de hornero que se ve en la copa de un árbol. Recortamos entonces el nido, dejando fuera parte del árbol, del cielo y hasta la casa que se veía a un costado y obtenemos una imagen final reencuadrada de unos 800×600 pixeles totales con el motivo que nos interesaba. Ahora vamos al laboratorio y al pedir una copia nos dicen que es imposible ampliar a más de 9×13 cm con esa calidad ya que es casi la misma obtenida con la camarita de un teléfono celular común. Ven a lo que voy…?

Ni hablar si trabajamos con cámaras que posean sensores APS-C ya que al ser bastante mas pequeños que los sensores Full Frame nos limitan mucho mas cualquier recorte futuro en el revelado digital o post-proceso.

En síntesis, acostúmbrense a tomarse el debido tiempo para componer la imagen en forma precisa de forma que llene todo el cuadro, con la práctica la “la foto” y el “momento” justo se verán antes de llevarse el ocular a los ojos.

La composición es uno de los factores principales que diferencia a un fotógrafo de otro, no es un tema menor y si nos acostumbramos a “recortar” en la edición nos estamos engañando a nosotros mismos que fallamos en el momento donde la simple presión del dedo fija un instante para siempre. Puede ser que hoy existan muchas más personas que hagan fotografías, lo que es seguro es que no hay muchos más fotógrafos y esto puede deberse justamente a ese pensamiento erróneo “-…Total lo arreglo en la computadora…”

Árboles de luz – como la hice

Cada vez que publico esta foto suelen preguntarme como logré ese efecto surrealista en la iluminación que hace que los árboles parecieran emitir luz… lo que es evidente para muchos no lo es para otros y no está demás una breve explicación.

Quién me conoce sabe lo mucho que me gusta hacer fotos con luz natural y sin retoques posteriores salvo el paso al BN. Y como bien sabemos, la mejor calidad lumínica la obtenemos siempre al amanecer y al atardecer, esta foto la hice con la última luz de un sol de otoño.

A mis espaldas tenía una hilera de árboles que proyectaban su sombras sobre la hojarasca y el ocultamiento del fotógrafo no se debe a ningún truco de Photoshop,  simplemente oculté mi sombra en alguna de las tantas sombras diagonales que ocultan también la luz del sol.

La medición que uso siempre es puntual y en este caso medí las altas luces y sobreexpuse un poco para lograr esa “iridiscencia” en las líneas de luz que convergen hacia los árboles. Logré así mismo quitarle protagonismo al resto de la escena ya que al tratarse de un bosque y al estar el sol muy bajo, naturalmente se volvió oscuro.

Por último y con el visor en los ojos me fui moviendo buscando que las líneas apunten hacia donde yo quisiera, es decir buscando la composición que me agradara y … voilá, ese es el secreto de una foto sencilla y efectista de mis árboles que lejos de emitir luz, la reflejan.

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Desnudo Artístico en exteriores – Outdoor nude

Me gusta crear la experiencia y luego fotografiarla porque de esa manera me queda el recuerdo de algo que sucedió en la realidad, es por eso que no suelo retocar mis trabajos con Photoshop. Mis fotos son momentos que sucedieron, parte de mi vida y como tal no un mero fotomontaje, todas tienen una historia detrás.

Walter Belfiore

Consultas por fotografías,  cursos y talleres a mi mail:

belfioreph@gmail.com

 

 

¿Qué cámara me conviene… que tipo de fotos me interesa hacer?

Ante tanta oferta de cámaras y nuevos lanzamientos de modelos que dejan “obsoleta” a la cámara comprada apenas seis meses antes quisiera aclarar un poquito las cosas para aquel que desea avanzar en esto de la fotografía y adentrarse en el mundo de las cámaras réflex. Realmente siempre prefiero hablar de fotografía y no de cámaras pero me parece que está reinando una gran confusión que con un poco de suerte contribuiré a despejar… o todo lo contrario, veremos.

En primero lugar debo decir que aunque todas las cámaras réflex sean mas grandes que los equipos compactos denominados point-and-shot y por ende parezcan mas “profesionales”, no por ello deben serlo.
Réflex significa que la cámara tiene un pentaprisma y un espejo que nos permite ver por el ocular exactamente –o casi- lo mismo que el objetivo que tenga montado. Una réflex profesional es una cámara de alta gama que tiene un sellado casi hermético, es bastante resistente al agua, al maltrato, tiene muchísimos mas ciclos asegurados de disparos y generalmente el cuerpo es de aleación de magnesio.

Habrán notado que muchas réflex que se venden como profesionales son totalmente de plástico, por poner un ejemplo: la Nikon D3300 ó la Canon EOS Rebel T6i. Ninguna de las dos es una mala cámara pero el hecho de ser réflex no significa que sean cámaras profesionales y tampoco significa que no podamos hacer grandes fotos con esos equipos ni que seamos menos profesionales por usarlos.

La manera mas sencilla de ver si una cámara réflex es profesional o no sin enredarnos demasiado es saber que todas las réflex profesionales vienen sin flash porque el fabricante da por entendido que el uso que se les dará será en estudio y con iluminación bastante más sofisticada que el pequeño flash que se levanta sobre el pentaprisma. No van a ver réflex profesionales con esos pequeñísimos flashes que se levantan y que no suelen servir mas que para darle algún brillito a los ojos si hacemos un retrato en exteriores y a contraluz… Si es profesional, no trae flash incorporado -al menos al momento de escribir esta nota no existen.

Otro tema importante a tener en cuenta es que no se es mejor ni peor fotógrafo porque se tenga la cámara mas cara. La cámara es una herramienta y como tal nos dará resultados satisfactorios si está en las manos adecuadas. Nadie es “profesional” simplemente por tener la cámara de la gama mas alta de la escudería, solo será el feliz poseedor de la réflex mas cara, de ahí a obtener excelentes fotos hay un trayecto tan largo como el de pretender ser Eric Clapton solo por poseer una Fender Stratocaster.

Aclarado el punto de las cámaras profesionales y de los profesionales detrás de las cámaras vamos a la parte realmente práctica de esta nota y es dilucidar la eterna pregunta: ¿Qué cámara comprar? Y vamos a dilucidarlo mediante otra sencilla pregunta ¿Qué foto nos interesa hacer?…

Dando por sentado que si Ud. está leyendo esta nota es porque realmente le interesa ir un paso más allá y decidió comprar su primer réflex o adquirir una de gama alta le voy a dar una información que le hará ahorrar muchísimo dinero y peso en su mochila. No se llene de objetivos u otros accesorios que rara vez va a usar, al momento de hacer una foto es un incordio andar cambiando lentes, poniendo filtros y demás, eso es de principiantes y espero no lo tomen a mal los que tienen un montón de equipo. No los juzgo, yo también era coleccionista, ahora solo me interesa sacar fotos.

Es importante también destacar que existen dos grupos de cámaras réflex las de sensor recortado o APS-C y las de sensor completo o Full Frame. Estas últimas tienen el sensor del tamaño del viejo y querido negativo de 35 mm y en las primeras el sensor es bastante mas chico por lo que la distancia focal del objetivo en realidad debe multiplicarse por 1.5 ó 1.6 siendo un 50 mm un 70 mm o un 80 mm real dependiendo de este factor de multiplicación.

En las Full Frame o cuadro completo un 50 mm sigue siendo un 50 mm y esto es realmente importante a la hora de decidir que tipo de fotografía vamos a realizar… Por qué?… porque nos permitirá ahorrar mucho dinero en objetivos si lo nuestro, por ejemplo es la fotografía de deporte o naturaleza. Si compramos un tele de 300 mm para un sensor APS-C en realidad obtendremos una focal de 470 o 480 mm por el factor de recorte comentado anteriormente. Casi un 500 mm por el precio de un 300mm no es poca cosa, y ni que decir que los objetivos para las cámaras réflex de sensor APS-C son bastante mas económicos que los objetivos para las Full Frame, pero por supuesto existen distintas calidades también.

Un 300 mm en una FF sigue siendo un 300 mm y si nos queda corto para naturaleza o deporte –seguro nos quedará corto- deberemos optar por un tele mas largo, o sea, invertir mucho mas dinero.

Es importante destacar aquí que si bien todas las Full Frame pueden ser consideradas cámaras profesionales, muchos fabricantes están lanzando los modelos de entrada a esa gama con algunos detalles que son superados por cámaras de formato APS-C de gama alta. Por ejemplo una Canon 6D tiene menos prestaciones que una 7D Mark II, siendo esta última muy recomendable para deportes y naturaleza –cuestan casi lo mismo además. Se que esta aseveración puede generar controversia y que muchos saldrán a decirme que el rango dinámico de un sensor completo no se compara ni por asomo con el que se obtiene con los sensores mas pequeños pero déjenme explicarles que en la actualidad el rango dinámico en gran parte es tanto consecuencia de los procesadores que se usan como del tamaño del sensor. Lo mismo que la posibilidad de utilizar ISOs elevadas.

Hace solo tres años atrás trabajar en ISO 800 se consideraba estar al límite de lo aceptable en cuanto a ruido (grano) final. Hoy con los modernos procesadores de la mayoría de las réflex actuales, de cualquier gama, es posible trabajar con ISOs de 3200 sin mayores problemas. Obviamente si el sensor es mas grande también será mayor la posibilidad de elevar el ISO pero para situaciones “razonables” de falta de luz, casi cualquier equipo actual sale airoso.

La Nikon D7100 por ejemplo es una excelente cámara de formato APS-C, cuyo ocular cubre un 100% de la escena y que responde perfectamente bien a las sensibilidades altas. Tiene un rango dinámico muy aceptable y su montura F permite ponerle incluso lentes fabricados hace muchos años atrás pero de muy buena calidad y bajo costo. La Canon 7D Mark II es el tope de la gama media de ese fabricante y además de lo anteriormente expuesto con la Nikon, tiene una ergonomía y construcción excelente y la posibilidad de disparar en ráfaga hasta 10 fotogramas por segundo –yo sinceramente no uso nunca el disparo en ráfaga pero muchos pueden apreciar esto.

La Canon 6D es la cámara que yo elegiría para entrar con el pie derecho al mundo de las réflex de cuadro completo. Tiene un precio razonable, muy buena construcción y gran parte de la tecnología interna utilizada en sus hermanas mayores y el 24-70 es un objetivo de muy buena calidad aunque sin duda corto para aquel que se dedique a la fotografía callejera, deportes o naturaleza… aunque ya lo dijo Robert Capa “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente”.

Nótese que en este artículo no hablé de las tan de moda Mirrorless o cámaras sin espejo y si no lo hice es porque a mi personalmente no me gustan pero no por eso digo que sean malas y seguramente en algún artículo futuro hablaré de ellas. También nombré solo dos grandes marcas porque considero que cualquiera de las dos son lo suficientemente buenas, tienen antigüedad en el mercado y en definitiva son las que inventan todo lo que después utilizan otros fabricantes… Si, ya se que a Sony hay que darle su mérito en lo que respecta a desarrollo pero no tiene la cantidad de ópticas suficientes en el mercado como para que podamos elegir cual nos conviene mas y hasta hace no tanto esas cámaras usaban su tarjeta de memoria propia, ni siquiera aceptaban una sencilla Compact Flash o SD… No me gusta que me obliguen a usar lo que se les antoja si en mi haber tengo tarjetas de otro tipo, más estándard… Esto es simplemente una movida de márketing que a muchos ya no nos causa demasiada gracia.

Otro punto a favor de estas marcas (Canon y Nikon  Nikon y Canon) es que podemos conseguir el objetivo que queramos dentro de una vastísima oferta, ya sean nuevos o usados.

Para finalizar debo decirles que en la actualidad viajo bastante liviano. En mi mochila fotográfica llevo una cámara que me gusta desde la ergonomía hasta la calidad final obviamente y un objetivo zoom de buena calidad y luminoso que me permite trabajar cómodo ya que cubre desde un angular moderado a un tele razonable. Yo no hago ni fotografía de deportes ni naturaleza y muchas veces realizo mis fotos en exteriores con viento y arena por lo cual cambiar objetivos no es una opción razonable. Podría llevar dos cuerpos pero aumento el peso y si hay que subir una montaña a 4000 metros, en el espacio que me sobra del cuerpo que ya no llevo, cargo dos botellas de agua y chocolate. No diré que cámara utilizo porque no tengo ningún fabricante como sponsor.

Walter Belfiore
Fotógrafo

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La clave de las claves alta (high key)

Las claves altas y bajas se refieren a la escala zonal de grises definida por el fotógrafo de paisajes Ansel Adams, éste estableció un sistema de 11 zonas para pasar del negro al blanco. Las claves altas se ubicarían en las 5 primeras zonas que van del blanco al gris y las claves bajas en las zonas restantes, que van del gris al negro,

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Para incursionar en este terreno lo primero que vamos a necesitar es luz, mucha luz.  Voy a explicar brevemente como realizo yo mis claves altas, comentando de paso que el nombre está dado por la predominancia de las luces “altas” o fuertes, en contraposición con las claves bajas en donde predominan las sombras y la oscuridad.

En primer lugar si la piel de la modelo y el cabello son claros ya tenemos resuelta una parte importantísima de la clave alta. El cabello no suele ser algo decisivo para incursionar en este estilo ya que siempre queda la opción de cubrirlo o atarlo detrás si es muy oscuro y el resto solucionarlo con luces, pero si es rubio o claro es mucho más sencillo y la foto puede ser bastante mas efectiva.

El fondo, si trabajamos en estudio debe ser blanco y tener al menos dos reflectores o flashes apuntando al mismo y otro par a la modelo. Debemos ser capaces de crear una “luz circular” o caja de luz que lo cubra todo evitando sombras oscuras, aunque estas pueden contribuir a la composición de la fotografía, enfatizando detalles que se perderían entre tanto blanco sobre blanco. Lo ideal es usar como mínimo un par de softobox si estamos haciendo solo retratos –para fondo y primer plano.

Trabajar con mucha luz además nos permite usar ISOs mínimos ya que si usamos mayor sensibilidad corremos el riesgo de generar “ruido” y esto suele afectar la delicadeza que debería tener una buena clave alta. Siempre ISO 100 es lo que a mi me resulta.

Es importante que en la composición incorporemos algún elemento de tonos bajos, es decir oscuros, yo suelo usar los ojos que generalmente remarco con algún delineador oscuro.

La mejor luz siempre es la suave o atenuada por lo que si no disponemos de un softbox podemos usar luz continua o flashes pero suavizando la luz aplicando una tela blanca muy suave entre luz y modelo que haga las veces de filtro difusor.

Una clave alta correcta dispone de textura, es decir que incluye todos los tonos altos de la escala pero de ninguna manera debemos quemar los blancos.

Si bien mediante Photoshop podemos lograr una clave alta partiendo casi de cualquier fotografía, el resultado será mucho mas satisfactorio si planeamos lo que queremos al momento de realizar la foto… esto es válido para todo tipo de fotografía.

Poses en 500px

Una de mis obras comparte la cabecera en 500px junto a artistas de la talla de Igor Amelkovich, Anton Belovodchenko o Alan Payne por citar solo algunos de mis colegas preferidos.

Aquí el enlace:
https://500px.com/photomi/galleries/poses